Arte Blog di Ceramiche Corinaldesi Alfredo

Pompei, il libro aperto sull'arte

2012-02-24T15:31:00.000+01:00

Pompei è uguale ad ogni altra città. La stessa antica umanità. Che si sia vivi o morti non fa differenza. Pompei è un sermone incoraggiante. Amo più Pompei che Parigi - Herman Melville.

Pompei è una delle più significative testimonianze della civiltà romana e si presenta come un eccezionale libro aperto sull'arte, sui costumi, sui mestieri, sulla vita quotidiana del passato. La città è riemersa dal buio dei secoli così come era al momento in cui venne all'improvviso coperta da uno spesso strato di ceneri fuoriuscite, insieme alla lava, con la devastante eruzione del Vesuvio. In questo post cercheremo di capire meglio il legame che c'era tra la gente di Pompei e l'arte. Dal punto di vista artistico le case erano dominate da affreschi che costituivano l'aspetto più straordinario di Pompei. Tradizionalmente alle pitture della città sono stati assegnati quattro stili diversi, definiti "primo, secondo, terzo e quarto stile pompeiano", anche se oggi si pensa che tale suddivisione sia ampiamente inadeguata a rappresentare la varietà delle tecniche pittoriche.

Infatti la molteplicità di stili nella decorazione pittorica che rivestiva le pareti delle case pompeiane è evidente e va dalla sobria ripartizione in riquadri colorati, a scenari architettonici, talora semplici e talora molto complessi, fino alla visione di prospettive assolutamente fantastiche, alle scene figurate e alla ornamentazione pura. La tecnica utilizzata per realizzare gli affreschi consisteva nell'applicare al muro due o tre strati ben fatti di intonaco calcareo, mescolato con sabbia e calcite. Quindi si dipingeva prima il fondo e si lasciava asciugare. Quando il tutto si era ben essiccato, si procedeva con la tecnica dell'encausto. Naturalmente i pigmenti usati erano costituiti soprattutto da terre colorate come le ocre, da tinte minerali come il carbonato di rame e infine, da tinte di origine vegetale e animale. Mirabili esempi sono rappresentati dagli affreschi della Casa dei Vettii, tra cui spiccano gli Amorini che documentano le varie attività artigianali; dalla splendida Venere in conchiglia della Casa di Venere o dal misterioso ciclo di affreschi della Villa dei Misteri, dedicato al culto di Dionisio, di 3 m. x 17, che costituisce una delle più grandiose raffigurazioni pittoriche dell'antichità.

E poi che dire dell'arte della scultura in bronzo che ha un suo celebre esempio nel Fauno danzante dell'omonima Casa, dell'amore per il vasellame e dell'argenteria confermata dal ritrovamento di ben 115 pezzi d'argento nella Casa di Menandro. I mosaici completavano mirabilmente la decorazione delle case: dai più semplici in coccio pesto, ai tasselli in bianco nero con motivi geometrici come il Cave Canem della Casa del poeta tragico, alle vere e proprie opere d'arte con la più vasta gamma di tinte, come la Battaglia di Isso rinvenuta nella Casa del Fauno e oggi al Museo Nazionale di Napoli, che ritrae Alessandro Magno contro Dario.

Gli affreschi di Pompei hanno una larga e solenne impostazione, e l'arte, piacevolmente descrittiva e gustosamente decorativa, si fa interprete d'un mondo lontano e di realtà allegoriche di una vita vissuta dei suoi cittadini. Sembra da un lato di ritornare alla severità e alla malinconia delle ultime tombe etrusche, e dall'altro d'intravedere quella che sarà poi la grande pittura del Rinascimento.

Trent'anni di scavo! – Credevo parlasse di Pompei, ma invece si trattava della sua vita - Giovanni Comisso.

Pablo Picasso

2012-02-20T19:46:00.000+01:00

"A quattro anni dipingevo come Raffaello, poi ho impiegato una vita per imparare a dipingere come un bambino" - Pablo Picasso.

Pablo Picasso nasce a Malaga nel 1881. Nel 1895 si trasferisce a Barcellona, dove si iscrive all'Accademia di Belle Arti. Vi tiene anche la sua prima personale al cabaret Els Quatre Gats. Nel 1900 realizza il primo viaggio a Parigi. Qui conosce Max Jacob, con cui divide per un certo periodo la casa. Sono momenti difficili, che nel suo lavoro trovano riscontro nel cosiddetto "periodo blu" (1901-1904), simbolista e disperato. Dopo vari spostamenti, si stabilisce definitivamente a Parigi nel 1904. Prende studio e casa in "Bateau-Lavoir". I suoi contatti si infittiscono: conosce Andre Salmon, Guillaume Apollinaire e molti degli artisti destinati a divenire suoi futuri compagni di strada. Nel 1905 incontra Fernand Olivier, che diviene sua compagna. Le nuove frequentazioni e il grande interesse nei confronti del circo scaturiscono nel cosiddetto "periodo rosa" (1905-1906), malinconico, ma dalle tinte più chiare e pastello. Il 1907 è un anno di svolta. Profondamente colpito dall'opera tarda di Cézanne e dalla scultura africana, realizza "Les demoiselles d'Avignone", che in qualche modo segnano la nascita del Cubismo. Conosce Georges Braque, con il quale instaura un lungo periodo di sodalizio artistico. Incontra anche Daniel-Henry Kahnweiler, che col tempo diverrà il suo mercante.

Nel 1909 soggiorna a Horta de Ebro, dove porta avanti la ricerca che nel 1910 sfocerà nel cosiddetto "cubismo analitico" (1910-1912). A contatto di gomito con Braque, elabora una nuova concezione della composizione, definita "cubismo sintetico" (1912-1914). Sulla tela fanno la loro apparizione inserti di materiali diversi dal colore ad olio, fino alla punta estrema dei "papiers collés". Nel 1917 incontra Jean Cocteau, e con lui effettua un viaggio in Italia, per incontrare il coreografo russo Djaghilev, in vista della realizzazione di scene e costumi per il balletto Parade. L'anno dopo sposa Olga Koklova, una delle ballerine, da cui avrà un figlio, Paulo. Dall'impressione del viaggio scaturisce il "periodo classicista". Nel 1923 si avvicina al surrealismo e prende parte alla prima mostra surrealista presso la Galerie Pierre. Nel 1927 incontra Marie-Thérèse Walter, che diviene sua compagna. Dalla metà degli anni '20 manifesta un interesse crescente per la scultura e la grafica. Nel 1931 illustra le Metamorfosi di Ovidio, e nel 1935 il ciclo sulla Minotauromachie. Sempre nel '35 nasce la figlia Maïa. Nel 1936 il governo spagnolo gli commissiona un'opera per l'Esposizione Universale di Parigi. Picasso realizza "Guernica" (1937), grande dipinto dedicato alla cittadina basca, distrutta dai bombardamenti tedeschi.

Nel 1943 incontra Françoise Gilot, da cui ha 2 figli: Claude nel 1947, e Paloma nel 1949. Nel 1944 espone per la prima volta al Salon d'Automne e aderisce al partito comunista. A partire dal 1947, a Vallauris, realizza le prime ceramiche. Sempre a Vallauris, nel 1952, realizza i grandi affreschi sulla Guerre e la Paix. Nel 1954 incontra Jacqueline Roque, che sposerà nel 1961. Negli anni '50 rielabora opere di grandi artisti del passato. Nel 1955 realizza la serie delle 15 varianti sul tema Femmes d'Alger di Delacroix. Nel 1957 le 58 varianti da Meniñas di Velasquez. Nel 1959 è la volta di "Le déjeuner sur l'herbe" di Manet. Nel 1963 comincia a dedicarsi al tema del "pittore e la modella". Una grande retrospettiva ha luogo a Parigi nel 1967. Tra le ultime opere va ricordato il ciclo di 347 acqueforti, realizzate nel 1968. Picasso muore a Mougins nel 1973.

Antoni Gaudí e La Sagrada Familia

2012-02-02T00:46:00.002+01:00

"A coloro i quali domandavano quando sarebbero terminati i lavori della Sagrada Familia, rispondevo: Il mio cliente non ha alcuna fretta. Dio ha tutto il tempo del mondo" - Antoni Gaudì.

Antoni Gaudì, nato a Reus nel 1852, massimo esponente del Modernismo, è considerato l'artista spagnolo più importante del XX secolo. Ebbe una formazione eclettica e fortemente improntata dalla cultura tecnico-artigiana della sua famiglia. Grande sperimentatore, Gaudì ama utilizzare forme e materiali diversi senza mai ripetersi nelle sue opere. Si appassiona a tutti i tipi di costruzione: palazzi, case, chiese, scuole, monumenti e giardini senza tralasciare alcun dettaglio, disegnando anche mobili, pavimenti, lampade e vetrine. Proprio una vetrina decise della sua fortuna: una vetrina studiata per un negozio di guanti che attirò l'attenzione del ricco industriale tessile Eusebi Güell che divenne suo cliente e futuro mecenate. Tra le tante opere gli commissionò la costruzione del Palacio Güell (1886-1888), senza dubbio, a quell'epoca, la residenza più moderna e raffinata di Barcellona che unisce confort e praticità nella continua ricerca di un habitat a misura d'uomo. Le sue opere, difficilmente classificabili, caratterizzate da ingegno costruttivo e funzionalità, sono materia viva, pura energia e possono essere profondamente comprese solo considerando la vitalità commerciale, economica e culturale della Barcellona a cavallo tra Otto e Novecento. Gaudì non segue nessuna corrente a lui contemporanea e crea uno stile personale nell'assoluta convinzione che originalità significa ritornare alle origini. La Sagrada Familia gli viene commissionata all'età di 31 anni e vi si dedica sino alla fine della sua vita, avvenuta nel 1926 a seguito di un incidente. Antoni Gaudì è sepolto all'interno della Sagrada Familia e, come attesta l'ingegnere Ziranu, la presenza dello spirito del grande architetto pervade lo spazio e l'animo di chi ancor oggi vi lavora. Nel 1984 alcune sue opere vengono dichiarate Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO e nel 2002 con “L'Anno Internazionale di Gaudì” si celebra il 150° anniversario della sua nascita.

E' considerata uno dei simboli di Barcellona, quella a cui Gaudì ha dedicato l'ultima parte della sua vita, e in cui ha voluto esprimere tutta la sua arte. Infatti, all'apertura dei cantieri della chiesa (1883) Gaudì vi installò il suo studio e vi si stabilì. Dopo la morte dell'architetto catalano (1926) i lavori continuarono, ma dovettero interrompersi durante la Guerra Civile Spagnola. La costruzione riprese nel 1952, ma sotto la guida di un altro architetto, che cambiò il progetto originale, andato perso a causa di un bombardamento durante la guerra civile. Gaudì aveva previsto la realizzazione di tre facciate, dedicate rispettivamente alla nascita, crocifissione e resurrezione di Gesù, sette navate e diciotto torri che dovevano rappresentare Cristo, i dodici Apostoli, i quattro Evangelisti e la Vergine Maria. Oggi la Sagrada Familia è formata da due facciate (Natività e Crocifissione), dai fianchi, parte dell'abside e del transetto sinistro; il tetto, invece, manca completamente (il completamento era previsto per il 2007). L'unica facciata terminata da Gaudì è quella della Natività, decorata da gruppi scultorei raffiguranti la nascita di Gesù, e da elementi naturalistici. Gaudì infatti riproduce piante, fiori, nuvole e stalattiti di ghiaccio sulla pietra. La facciata della Crocifissione, inaugurata nel 2000, è stata realizzata dall'architetto Subirachs, che ha saputo sintetizzare le proprie idee e quelle di Gaudì, adottando, però, uno stile più moderno e meno imponente. La costruzione avanza a ritmi lentissimi a causa dei costi elevati, in quanto viene realizzata unicamente grazie alle offerte dei fedeli. Per questo motivo bisognerà attendere almeno mezzo secolo prima di vedere la Sagrada Familia completata. Oggi il cantiere è diventato un'attrazione turistica, grazie alle alte torri, dalle quali si può godere un'ottima vista di Barcellona, e grazie al museo posto vicino al cantiere, dove vengono mostrate ai visitatori le varie fasi della costruzione della chiesa.

L'Arte della Ceramica di Corinaldesi Alfredo

2012-01-27T16:55:00.001+01:00

" La pittura è più forte di me; mi costringe a dipingere come vuole lei " - Pablo Picasso.

La Ceramica Corinaldesi, nasce nel 1983 fondata dal Maestro Alfredo Corinaldesi, artista di grande talento, con forti basi classiche, in grado di spaziare in qualsiasi decorazione, dalla più semplice a quella più complessa. La sua formazione è stata acquisita negli anni. Formatosi prima presso il Liceo Artistico di Salerno e poi presso l'Accademia belle arti di Napoli, ha frequentato succesivamente anche un corso di restauro di dipinti antichi. Alfredo Corinaldesi nasce principalmente come pittore. Poi nel 1982 inizia ad appassionarsi all'arte della ceramica, di cui scopre subito un nuovo modo di esprimersi, e viene affascinato dalle molteplici potenzialità che la sua realizzazione può offrire. Attualmente, l'azienda si avvale di collaboratori qualificati, che il Maestro Alfredo Corinaldesi segue personalmente, dall'inizio alla fine di qualsiasi lavoro. Ogni prodotto è curato nei minimi particolari, per fare in modo che alla fine esso risulti perfetto. L'azienda è in grado di soddisfare qualsiasi esigenza del cliente. In fase di decorazione si può personalizzare, con scritta sottosmalto, l'oggetto scelto. Tutti i prodotti esposti in questo sito possono avere delle varianti a seconda del gusto e dei desideri del cliente. Inoltre, eseguiamo liste di nozze, bomboniere e tantissimi altri articoli. Se non trovate un prodotto nel nostro sito, potete richiedercelo e sarà nostra cura elaborarlo anche con la vostra collaborazione. I nostri prodotti sono riconosciuti da tutti come un marchio di Alta Qualità, esclusivamente Dipinti a Mano.

www.ceramichecorinaldesi.com
e-mail - alfredo.corinaldesi@alice.it
Via G. Pellegrino,42 - 84013
Cava de' Tirreni (SA)
Tel. e Fax +39 089- 344058

" Painting is stronger than I am; It makes me do what ever it wants " - Pablo Picasso.

The Ceramics Corinaldesi, come into being in 1983, founded by Maestro Alfredo Corinaldesi, an artist of the great talent, with strong classical base, able to expand in any decoration, from the simplest to the most complex. His education was acquired over the years. First educated at the Art School of Salerno and then at the Academy of Arts in Naples, subsequently he attended a course of restoration of the old paintings. Alfredo Corinaldesi was born mainly as a painter. Then in 1982 he aroused an interest in art of ceramics, which he soon discovered a new way to express himself, and was fascinated by the many possibilities that its implementation may offer. Currently, the company has qualified staff, and Maestro Alfredo Corinaldesi personally follows, from the beginning to the end of any work. Each product is carefully managed, to ensure at the end a perfect outcome. The company is able to meet any customer requirement. In course of decoration you can personalize, with underglaze written, the chosen object. All products exposed on this site may have some variations in accordance with tastes and desires of the customer. In addition, we realize wedding lists, wedding souvenir and many other items. If you don't find a product on our site, you can ask and we can develop it with your collaboration. Our products are recognized by all as a trademark of High Quality, Hand Painted only.

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Amedeo Clemente Modigliani

2012-01-09T20:48:00.002+01:00

Amedeo Clemente Modigliani è stato un pittore e scultore italiano, celebre per i suoi ritratti femminili, caratterizzati da volti stilizzati e da colli lunghi e affusolati. La sua breve vita, condotta in stile bohemienne, incarna lo stereotipo dell'artista maudit (maledetto, tutto genio e sregolatezza) anche grazie all'assonanza con il suo soprannome parigino Modì. Nacque il 12 luglio 1884, a Livorno, da una famiglia di commercianti ebrei, all'epoca non particolarmente benestante. Il giovane Modigliani non andava bene a scuola, tanto che la lasciò presto, ma poiché sin da bambino aveva mostrato una spiccata dote per il disegno, a quattordici anni fu mandato nella bottega di Guglielmo Micheli, uno dei pittori più in vista di Livorno, allievo di Giovanni Fattori, della corrente dei Macchiaioli, per imparare il mestiere. Modigliani dunque si formò alla scuola dei Macchiaioli e da qui nacque la sua passione per la luce chiara e intensa ed i colori caldi e morbidi, tipici della pittura toscana del periodo. La salute del giovane Dedo non era ottima: nel settembre del 1900 venne colpito dalla tubercolosi. Durante la convalescenza, la madre lo portò a visitare Napoli, Roma, Firenze e Venezia, mostrandogli soprattutto musei e gallerie d'arte. A 18 anni, nel 1902, Amedeo Modigliani si iscrisse alla Scuola libera di Nudo di Firenze, diretta da Fattori e, un anno dopo, si trasferì a Venezia, dove frequentò l'Istituto per le Belle Arti.

A Venezia alcuni amici artisti parlarono ad Amedeo di Parigi come capitale della cultura europea, tappa obbligatoria per chi desiderava dare una svolta decisiva alla propria arte e alla propria carriera. Nel 1906 Modigliani si trasferì dunque a Parigi, dove trovò la città effervescente che si aspettava: l'ambiente culturale della capitale francese era infatti molto vivace e creativo. Affittò uno studio a Montmartre, a poca distanza dal Bateau-Lavoir. Nei ristoranti e nei locali notturni della zona cominciò a fare le sue prime conoscenze parigine: tutti artisti, fra cui Picasso, Max Jacob, Apollinaire, Cendrars e più tardi Utrillo e Soutine, che diventeranno i suoi migliori amici. Insieme agli altri amici Modì, come a Parigi veniva chiamato, iniziò a vivere soprattutto di notte, fra un fra un caffè e un altro. La disponibilità economica era scarsa e questo lo portò a cambiare spesso abitazione, operazione che spesso comportava la distruzione o la svendita, per pochi franchi, dei suoi dipinti. Nonostante i molti sforzi per farsi conoscere e apprezzare tra i galleristi ed i collezionisti privati, le sue opere non trovavano acquirenti e non gli permettevano di vivere dignitosamente.

Deluso e frustrato per la mancanza di riconoscimenti tangibili, Modigliani cominciò ad abusare di droghe e di alcool. Oltre alla vita dissoluta e precaria, ebbe anche numerose avventure sentimentali. Di aspetto tipicamente italiano, con capelli ricci e neri, occhi grandi e scuri, molto curato nel vestire, Modigliani riscuoteva molto successo con le donne, di tutte le età e di tutti i generi. Nel 1908, Modigliani espose presso il Salon des Indépendants cinque tele e un disegno, cominciando finalmente a vendere qualche quadro. Nel 1909 incontrò Constantin Brancusi, uno scultore rumeno che l'incoraggiò a riprendere la scultura, per la quale si sentiva particolarmente portato. Poverissimo, Modigliani andava recuperare il marmo dai materiali di risulta degli edifici in costruzione e scolpiva nella pietra, lasciando le opere incomplete, nello stile di Michelangelo. La polvere prodotta dallo scalpello tuttavia metteva ulteriormente a rischio la sua salute, già debolissima. Grazie allo scultore rumeno Modigliani conobbe in questo periodo l'arte dell'antico Egitto e le maschere tribali africane, che influenzarono presto la sua produzione. Nel 1912 presentò al Salon d'Automne otto statue in pietra, che però raccolsero una accoglienza tiepida. Nel 1913 Modigliani si trasferì a Montparnasse dove divenne uno dei membri più importanti di quella piccola comunità di artisti, che sarà poi chiamata Ecole de Paris. Fra gli amici vi erano, tra gli altri, Picasso e Matisse, Utrillo: con quest'ultimo Modigliani strinse un particolare legame in quanto i due artisti condividevano una forte dipendenza dall'alcol. E' di questo periodo l'incontro con Paul Guillaume, un gallerista che divenne il suo primo (e unico) acquirente e mecenate.

Nel 1914 Modigliani fu costretto, per ragioni di salute, ad abbandonare scultura: tornò a dipingere ritratti, con i quali riuscì finalmente a guadagnarsi da vivere. Nel 1916 altro incontro importante con Léopold Zborowski, il quale più che un agente fu soprattutto un protettore per il trentenne Modì. Nel 1917, durante una festa di Carnevale, Modigliani conobbe la diciannovenne Jeanne Hébutherne, studentessa di arte decorativa. La ragazza proveniva da una famiglia borghese che fece di tutto per ostacolare la relazione. Modì aveva infatti 14 anni anni più di Jeanne, non le poteva garantire un tenore di vita dignitoso ed era noto per i suoi eccessi e per la salute cagionevole. La ragazza però non ascoltò i consigli della famiglia e andò a vivere con il suo compagno, divenendone la musa ispiratrice. L'artista la ritrasse in molti disegni ed in una ventina di dipinti. A partire dal 1918. le opere di Modigliani cominciarono finalmente ad incontrare i primi successi, ma nel dicembre di quell'anno, in una personale nella quale l'artista esponeva i suoi nudi presso la galleria Berthe-Weil, intervenne la polizia per chiudere la mostra, che venne considerata un "atteinte à la pudeur".

Modigliani è famoso per il suo lavoro rapido: si dice completasse un ritratto in una o due sedute. Una volta terminati i ritratti, non ritoccava mai i suoi dipinti. I suoi personaggi sono visti normalmente di faccia, seduti, con le mani intrecciate. Tutta l'attenzione è concentrata sul viso. Ciò che preoccupa Modigliani è soprattutto l'effetto plastico della linea, il suo rilievo.

Il 22 gennaio venne ricoverato in stato di incoscienza presso l'Ospedale della Carità, dove morì, il 24 gennaio del 1920, di meningite tubercolare. Il giorno dopo Jeanne, incinta di nove mesi, si gettò dalla finestra dell'appartamento dei suoi genitori (al quinto piano) e morì istantaneamente. La figlia Jeanne venne adottata dalla zia Margherita, sorella del pittore e portata a vivere in Italia, a Firenze. Qualcosa era cambiato: Zborowski nel 1921 aveva organizzato una mostra di quadri di Modigliani che aveva avuto un enorme successo. Un'epoca si era definitivamente conclusa e Modigliani era ormai considerato un artista di fama internazionale.

" Il tuo unico dovere è salvare i tuoi sogni " - Modì.

La porcellana di Capodimonte

2012-01-04T15:21:00.000+01:00

La porcellana di Capodimonte deve il suo nome alla zona collinare di Capodimonte a Napoli dove, nella metà del Settecento, il re Carlo di Borbone intendeva produrre una porcellana uguale per qualità a quella che era prodotta nella fabbrica di porcellane di Meissen e fece costruire una fabbrica sulla collina di Capodimonte, vicino al Palazzo reale. Tra i loro principali collaboratori si annoverarono il chimico belga Livio Ottavio Schepers e il decoratore piacentino Giovanni Caselli. La porcellana che si produce in questa zona ha delle caratteristiche peculiari che la distinguono dalla porcellana nord europea. Al sud Italia, infatti, non c'è il caolino pertanto l'impasto si compone di una fusione di varie argille provenienti dalla cave del sud miste al feldspato. Ne deriva un impasto tenero dal colorato latteo, che renderà questa manifattura, unica nella storia della porcellana. La porcellana "tenera" infatti, durante la cottura si ritira di circa il 20%, e se da una parte si perdono dovizie di dettagli tipici della porcellana nord europea dall'altra ritroviamo uno stile inconfondibile pervaso da un'armonia strutturale naturalista.

Al suo rientro in Spagna, Carlo di Borbone porta con se tutte le opere prodotte. Segue un periodo di stasi nella produzione di opere in porcellana ed è solo nel 1773 che Ferdinando IV, suo figlio, ormai adulto, fonda la Real Fabbrica Ferdinandea, che raccoglie in seno gli artisti italiani, in perticolare toscani, e quelli tedeschi più esperti. Il periodo di massimo splendore di questa fabbrica si è avuto sotto la direzione artistica di Domenico Venuti. Nel ventennio tra il 1780 ed il 1800 nasce una vera e propria Scuola d'Arte e vengono prodotti sontuosi servizi da tavola e prezioso vasellame che sono tutt'oggi conservati nel Museo di Capodimonte. Nel 1806 con l'avvento della dominazione francese la Real fabbrica viene ceduta ad un gruppo di privati. Questi ultimi s'impegnano ad assumere tutti i lavoranti della fabbrica a patto che i re francesi acquistino parte della gran produzione.

La promessa non è mantenuta e Gioacchino Murat, troppo impegnato a sovvenzionare le campagna belliche di Napoleone, non alimenta la produzione di porcellane per la casa sovrana. Ciò nonostante gli artisti napoletani tennero viva la tradizione inventando nuovi stili e rappresentando scene di napoletanità apprezzate dalla borghesia cittadina e dai turisti. Con l'Unità d'Italia e la fine della monarchia segue un periodo di decadenza artistica. La produzione di sontuosi servizi da tavola viene sostituita da uno stile floreale puramente decorativo che costituisce ancora oggi il fulcro della produzione ceramica napoletana che viene denominata in tutto il mondo "Capodimonte". Dalla metà dell'Ottocento nascono le prime fabbriche artigianali a carattere familiare (Majello, Mollica, Cacciapuoti, Visconti), di cui alcune ancora oggi s'impegnano a tener viva la tradizione.

L'oggetto parte sempre da un'idea, ovvero dall'estro dell'artista e pertanto egli dapprima traccia il disegno dell'oggetto che vuole realizzare. La prima fase consiste nel creare il modello di gesso. Lo scultore modella sul tornio un blocco di gesso con strumenti alquanto rudimentali per delinearne la sagoma. Il modellista cesella e scolpisce a mano quelli che sono i dettagli dell'oggetto. Si ottiene così il calco per avere la prima forma. L'artigiano a questo punto riversa nello stampo di gesso la porcellana in forma liquida, un impasto che si differenzia dalle comuni ceramiche bianche per il maggior pregio e la maggior compatezza e trasparenza. Per dare spessore all'oggetto si lascia essiccare brevemente la porcellana liquida nello stampo, quella in eccesso viene riversata e si ottiene così l'oggetto crudo. Segue la fase della rifinitura. Il rifinitore elimina eventuali sbavature o imperfezioni che si possono verificare in fase di colaggio. Nel caso di una composizione floreale, l'artista plasma a mano la porcellana. A questo punto si effettua la prima cottura ad una temperatura di 1250 gradi per una durata che va dalle 8 alle 12 ore da cui si ottiene l'oggetto in biscuit di porcellana. Segue la fase della decorazione. Il decoratore dipinge manualmente l'oggetto biscuit. Si passa ad una successiva cottura a 750 per fissarne il colore. Questa durerà mediamente 8 ore. Il processo lavorativo è a questo punto finito.

Non ci resta che andare a visitare il Museo di Capodimonte !!!

Vincent Willem Van Gogh

2011-12-13T18:44:00.000+01:00

"Costui o diventerà pazzo, o ci farà mangiare la polvere a tutti quanti. Se poi farà l'uno e l'altro non sono in grado di prevederlo" - Camille Pissarro.

Figlio di un pastore protestante e primo di sei figli, Vincent Willem van Gogh nacque il 30 Marzo 1853 nel villaggio di Groot Zundert, nella regione del Brabante settentrionale. A 17 anni si recò all'Aja, ove, grazie alla raccomandazione dello zio, Vincent, cominciò a lavorare come apprendista per la filiale della casa d'arte parigina Goupil & Cie. Van Gogh potè così apprezzare le opere a sfondo contadino di Millet e quelle della "scuola di Barbizon". Nel 1873 Vincent venne trasferito alla filiale di Londra, mentre Theo, il fratello minore, nato nel 1857, venne assunto in quella di Bruxelles; iniziò così tra i due una intensa corrispondenza. Vincent non amava il suo lavoro di mercante d'arte, egli voleva seguire le orme di suo padre e diventare un predicatore, così, nel 1876, si licenziò. Si trasferì ad Amsterdam per preparare l'esame d'ingresso alla facoltà di Teologia ma ben presto abbandonò questo progetto per dedicarsi alla predicazione ai poveri; così, nel 1879, si recò nel Borinage, regione mineraria del Belgio, dove i lavoratori vivevano miseramente, per compiere la sua opera di apostolato; ma, a causa di uno zelo eccessivo che rasentava il fanatismo, l'incarico non gli fu rinnovato. Fu dopo questa terribile delusione che maturò in Vincent la scelta definitiva a favore della professione artistica e fu sempre in questo periodo che Theo iniziò a mandare al fratello dei soldi, che diventeranno progressivamente la sua unica fonte di sostentamento. Come aveva fatto in precedenza per l'impegno apostolico, dedicò ora ogni energia a quello artistico; nonostante disegnasse da tempo, Van Gogh non aveva mai ricevuto un'educazione specifica. Aveva utilizzato un manuale di autoapprendimento ove erano riprodotti modelli in gesso e opere di grandi maestri da copiare. Alla fine dell'81 cominciò a prendere lezioni da Anton Mauve, suo cugino acquisito ed esponente di spicco della "scuola dell'Aja", ma i loro rapporti si deteriorarono in breve tempo.

Pur continuando a disegnare, cominciò a dedicarsi intensivamente alla pittura a olio, rappresentando con realismo la campagna solitaria e il lavoro nei campi; fu in questo periodo che dipinse "i mangiatori di patate" considerato il suo capolavoro del periodo olandese. Nel marzo del 1985 il padre di Vincent morì improvvisamente e, nonostante i loro rapporti fossero da tempo problematici, l'evento colpì profondamente Van Gogh; nel settembre dello stesso anno, poi, Vincent fu sospettato di essere il responsabile della gravidanza di una giovane che gli aveva fatto da modella ed il curato cattolico della cittadina proibì ai contadini di posare per il pittore; così, a fine anno Vincent partì nuovamente, per trasferirsi ad Anversa.

Da Anversa ben presto si recò a Parigi dove frequentò diverse lezioni all'atelier di Félix Cormon, un pittore accademico molto noto all'epoca; sempre a Parigi conobbe personaggi del calibro di Toulouse-Lautrec, Monet, Renoir, Degas, Pissarro; ma, almeno inizialmente, le opere degli impressionisti non lo colpirono positivamente, come aveva raccontato alla sorella Wil: "le loro opere sono brutte, disordinate, mal dipinte e mal disegnate, sono povere di colore e addirittura spregevoli". Ben presto, però, cambio opinione e, malgrado non si considerasse impressionista, schiarì notevolmente la propria tavolozza ed espresse grande ammirazione nei confronti dei nudi femminili di Degas e dei paesaggi di Pissarro. Van Gogh aveva cominciato a frequentare la bottega di père Tanguy, uno di quei commercianti di colori che vendevano a poco prezzo i dipinti di giovani artisti anticonvenzionali. Fu presso Tanguy che Vincent strinse amicizia con Emile Bernard e fece la conoscenza di Gauguin. Nel 1887 Van Gogh organizzò una mostra presso il Restaurant du Chatelet, con l'intenzione di riunire tutti i suoi nuovi amici; vi espose parecchie opere di Bernard e Gauguin, ma, con suo grande dispiacere, non parteciparono i neoimpressionisti. La vita a Parigi non si rivelò affatto semplice; le città non erano mai state il suo ambiente ideale e, spinto anche dai soggiorni bretoni di Gauguin, Van Gogh decise di lasciare la capitale, alla ricerca di un ambiente solitario e rilassante e così, nel Febbraio del 1888, Van Gogh partì alla volta di Arles, in Provenza.

I colori accesi del sud erano esattamente ciò di cui aveva bisogno per sviluppare la sua pittura verso uno stile proprio, slegato dall'influenza dell'impressionismo. Sebbene si sentisse finalmente sulla strada giusta, voleva condividere con amici e colleghi le prorie idee, promuovendo la nascita di una comunità di pittori. Prese in affitto ad Arles la Casa Gialla, protagonista di un celebre dipinto e scrisse a Gauguin e Bernard invitandoli a raggiungerlo. L'invito venne accolto solo da Gauguin; Vincent provava nei confronti di quest'ultimo una profonda ammirazione e desiderava ardentemene la compagnia di qualcuno con cui condividere tempo, idee e passioni; dal canto suo, tuttavia, Gauguin, che coltivava il sogno di tornare in Martinica e si riteneva nettamente superiore a tutti i suoi colleghi, non condivideva l'entusiasmo dell'amico, comunque, dopo una serie di titubanze, raggiunse Arles alla fine dell'ottobre 1888. I loro caratteri e le propensioni artistiche tendevano però a scontrarsi; tanto Gauguin voleva allontanarsi dalla realtà, quanto Vincent voleva coglierne l'emozione. Nel giro di poco più di un mese i loro rapporti si fecero sempre più tesi; Vincent, presagendo la fine dello "studio del sud" e, dunque, del suo sogno, divenne preda di una crescente tensione, finchè, una notte in cui aveva visto Gauguin uscire di casa, si mutilò l'orecchio destro con un rasoio. Gauguin, appresa la notizia, partì per Parigi senza vedere l'amico. Ripresosi, Vincent parlò in modo sereno del suo stato di esaurimento, affermando di non poter invitare altri pittori per il timore di nuove ricadute. Una volta dimesso riprese a lavorare, ma i cittadini di Arles firmarono una petizione chiedendone l'internamento.

Vincent decise di farsi ricoverare nel manicomio di Saint-Rémy, non lontano da Arles; non riceveva nessuna cura specifica ed aveva il permesso di dipingere anche fuori del ricovero. Se il luogo gli assicurava una certa tranquillità, l'atmosfera deprimente non risollevava certo il morale del pittore, che accettò la propria malattia perdendo ogni speranza di guarigione. Il suo stile era ancora in evoluzione, in direzione di una sempre maggiore espressività e la sua fonte di ispirazione continuava ad essere la natura. Pochi mesi dopo Van Gogh fu preda di una nuova fortissima crisi, che lo gettò in una profonda depressione, acuita dalla proibizione di dipingere senza autorizzazione, poiché, nel corso del suo ultimo attacco aveva tentato di ingerire dei colori. Non potendo uscire, eseguì numerose copie da Millet, Delacroix, Rembrandt e Daumier e cominciò a coltivare il proposito di tornare al nord per evadere da un ambiente sempre più soffocante. Il suo ideale era quello di vivere insieme a un altro pittore e Theo pensò a Pissarro; la moglie dell'artista, però, che temeva la presenza di una persona instabile a contatto con i figli, si oppose, e Pissarro suggerì allora di contattare il dottor Paul Gachet, un medico di Auvers-sur-Oise, amante dell'arte ed amico di diversi artisti.

Il 16 Maggio 1890, Vincent lasciava la Provenza alla volta di Auvers. Gli ultimi mesi erano stati sereni: Theo aveva avuto un figlio, e lo aveva chiamato Vincent; dieci suoi dipinti di Arles e Saint-Remy avevano ricevuto grandi apprezzamenti alla nuova esposizione degli Indépendants, soprattutto da parte dei colleghi, tra cui Monet, Pissarro, Bernard e Gauguin. Una volta ad Auvers, Vincent entrò immediatamente in sintonia con l'eccentrico dottor Gachet e nel giro di due settimane aveva già iniziato il suo ritratto. A turbare il suo equilibrio fu però una serie di problemi capitati a Theo, che entrò in rotta con i suoi principali e, contemporaneamente dovette fronteggiare la malattia di sua moglie e suo figlio. Vincent risentì fortemente della situazione e, nuovamente attanagliato dall'angoscia, ebbe un violento diverbio con Gachet, fino a rompere i rapporti. Terrorizzato dall'idea di avere nuovi attacchi, il 27 Luglio si sparò un colpo di rivoltella nei campi, dove era uscito per dipingere. Ferito, tornò in paese, chiudendosi in camera sua; presto fu raggiunto da Gachet e da Theo, ma il pittore aveva ormai perso ogni volontà di vivere e morì la notte del 29 luglio. Per Theo il colpo fu terribile, egli dedicò ogni sua energia per organizzare una retrospettiva delle opere del fratello; tuttavia, non vide realizzati i suoi progetti; in poche settimane perse la ragione e mori in Olanda sei mesi dopo il fratello.

Gli amici mantennero l'impegno e le dieci tele di Vincent esposte alla mostra degli Indépendants nel 1891 furono le più ammirate della rassegna: Il critico Octave Mirbeau gli dedicò un articolo appassionato, deplorando la scomparsa prematura dell'artista e il fatto che egli fosse "morto così oscuro, così ignorato". Praticamente sconosciuto in vita, Van Gogh è divenuto in seguito un artista celebratissimo. La natura stessa della sua pittura, così personale ed emotiva, ha portato a considerarlo un artista unico, diverso da tutti e, anche se il suo esempio fu fondamentale per molti successivi movimenti artistici, Vincent è rimasto completamente senza allievi, una di quelle "meteore" che ha cambiato il corso della storia dell'arte.

Delft, la città della "Ceramica Blu"

2011-12-11T16:48:00.001+01:00

La storica città di Delft è uno dei luoghi più belli e pittoreschi di tutta l'Olanda. Fa parte della provincia dell'Olanda meridionale e si trova a circa 60 km Amsterdam e 15km da Rotterdam. Da secoli è famosa per la produzione di ceramica azzurra, che ebbe il suo massimo sviluppo nel secolo d'oro olandese, il 600. Delft è anche conosciuta e visitata per la sua fiera annuale d'arte e antiquariato e per avere dato i natali al grande pittore Vermeer, che qui nacque e passò quasi tutta la sua vita, usando il centro della città come fonte di ispirazione. Con i suoi canali ombreggiati dagli alberi, e le sue case dalle facciate a gradoni, i ponti e i negozi che vendono ceramiche e gli innumerevoli scorci da cartolina, la visita a Delft vi lascerà un vivo ricordo. La ceramica di Delft ha quindi una lunga tradizione. Tra il 1600 ed il 1800, la città era uno dei luoghi di produzione di ceramica pù importanti d’Europa. I prodotti di Delft sono stati esportati nel mondo per oltre 400 anni e questo stile di produzione della porcellana è ancora famoso nel mondo. La Fabbrica reale di porcellana (Koninklijke Porceleyne Fles), nata a Delft nel 17˚ secolo, è l’unica rimasta tra le case produttrici originali. Fino al 16˚ secolo, solo le famiglie ricche potevano permettersi di comprare stoviglie di questo materiale. All’inizio del 1600, gli olandesi conobbero la porcellana importata dalla Cina; divenne così popolare che i produttori olandesi, per non perdere i loro clienti, si misero ad imitarne lo stile. Così nacque la porcellana blu di Delft. In questo caso sono stati gli Europei a copiare i cinesi, e grazie a loro, la porcellana blu è diventata un prodotto tipico di questa cittadina.

Una delle aziende più famose della città è la Royal Delft che produce tradizionalmente e artigianalmente la tipica e conosciutissima ceramica dal colore blu, l’unica ed essere rimasta in vita oggi tra le tante sorte nel XVII° secolo, tanto da assorbire quelle minori. Nel 1909 è divenuta una S.p.A., dal 1954 è quotata in borsa. La colorazione tipica si ottiene per effetto della reazione chimica con l’ossido di cobalto durante la cottura che avviene in due tempi entro le 24 ore compreso il raffreddamento. Dalla materia prima infatti si realizza il pezzo versando il liquido che poi si solidifica, creando il biscotto, su cui si dipinge (in quel momento avrà colore nero) poi si smalta per proteggere le incisioni e dopo la 2° cottura diviene blu. Poi esiste anche la tecnica del trasferimento dell’immagine, chiamata anche transfer o della decalcomania.

Gli oggetti decorati con questa tecnica si differenziano rispetto a quelli dipinti a mano perchè hanno un colore meno intenso e comunque dietro riportano la marca delft blauw. In realtà la composizione sia della materia prima (argilla liquida contenente kaolino, gesso feldespari e quarzo) che della pittura e degli additivi è un segreto di produzione. Ogni oggetto viene attentamente analizzato da un esperto e solo se non ha imperfezioni potrà essere definito ceramica di prima qualità, c’è anche un rigoroso controllo qualità dello smaltato che costituisce un velo di protezione. Le ceramiche con piccolissime imperfezioni o di seconda scelta sono riconoscibili da un graffio sul marchio di produzione e un adesivo verde e sono vendute con un 25% di sconto. Le realizzazioni completamente rovinate si rompono in cocci e sono vendute al Kg. ai collezionisti.. insomma non si butta proprio niente....

Oskar Kokoschka e l'Arte Moderna

2011-11-27T12:16:00.001+01:00

"I libri si offendono quando vengono dati in prestito, per questo spesso non ritornano"- Oskar Kokoschka.

Oskar Kokoschka nacque l’1 marzo 1886 a Pöchlarn, sul Danubio, in una casa di periferia. Iniziò a dipingere all’età di quattordici anni e, quando con la famiglia si trasferì a Vienna, poté iscriversi, nel 1905, alla Scuola di Arti Applicate, grazie ad una borsa di studio. La sua formazione avvenne nell’ambiente della Secessione Viennese, a diretto contatto con Klimt, che ne influenzò le prime opere e lo rese noto ai Viennesi grazie al Kunstschau (Art Show) del 1908. L’architetto austriaco Adolf Loos, conosciuto da Kokoschka nel 1908, e che divenne suo amico e protettore, introdusse l’artista negli ambienti letterari, dove frequentò, in particolare, Peter Altenberg e Karl Kraus. In campo letterario, Kokoschka si affermò con il dramma "Assassino, speranza delle donne" (Mörder, Hoffnung der Frau en) che, messo in scena nel 1908, è considerato la prima opera del teatro espressionista. Essenzialmente un autodidatta, si manifestò in Germania come pittore grazie ad una serie di ritratti di personalità austriache, commissionatigli da Loos, tra cui il Ritratto di Peter Altenberg, del 1909; nel 1912 espose a Berlino e a Colonia, ed alcune sue opere furono acquistate da vari musei tedeschi.

Nei disegni eseguiti tra il 1907 e il 1912, che influenzarono, tra gli altri, Egon Schiele, le figure erano disegnate in maniera delicata e disposte in modo irregolare; talvolta Kokoschka lasciò deliberatamente delle superfici vuote, di modo che l’attenzione dell’osservatore si concentrasse direttamente sulla parte materiale. Nel 1910, Walden, fondatore della rivista d’avanguardia berlinese Der Sturm, convinse il giovane Kokoschka a trasferirsi a Berlino, dove iniziò a curare il Ritratto della settimana, divenendo il primo illustratore della rivista.

Con "La sposa nel vento", del 1914, la sua pittura concitata e nervosa, essenzialmente tragica, raggiunse la piena maturità espressiva, che lo collocò in una posizione personale all’interno dell’Espressionismo. Il dipinto era un omaggio ad Alma Mahler, vedova del compositore Gustav Mahler, con la quale Kokoschka aveva avuto una sfortunata relazione amorosa che influenzò la sua vita.

"Il Cavaliere errante" fu l’ultimo quadro dipinto da Kokoschka prima di arruolarsi volontario per la I Guerra Mondiale nel XV reggimento austro ungarico. Nell’agosto del 1915 rischiò di morire per una grave ferita riportata sul fronte russo. Trasferitosi a Dresda nel 1916, fu professore all’Accademia di Dresda dal 1920 al 1924. A partire da quegli anni privilegiò, progressivamente, la trattazione di grandi spazi, adottando, nella sua pittura, colori chiari e luminosi, caratteristici dell'Espressionismo Tedesco.

Abbandonato l’insegnamento ed intrapresi una serie di viaggi in Europa, Nord Africa e Asia Minore, intensificò l’attività di incisore e di pittore realizzando ritratti, soggetti mitologici e moltissimi paesaggi raffiguranti località straniere.

Continuò a viaggiare per il mondo e sotto la pressione degli avvenimenti politici cambiò due volte nazionalità. Dal 1934 al 1938 visse a Praga, e a Londra nei quindici anni successivi; nel 1953 si stabilì definitivamente in Svizzera.

Oskar Kokoschka morì a Villeneuve nel 1980.

Il Museo dell'Ermitage

2011-11-25T19:18:00.001+01:00

In quella che Dostoevskij definisce città artificiale ossia San Pietroburgo sorge uno dei musei più belli al mondo, il Museo Statale Ermitage o semplicemente l'Ermitage che ospita una delle più importanti collezioni d'arte del mondo; l'edificio in origine faceva parte dell'importante reggia imperiale che per due secoli ospitò le famiglie degli zar, fino al 1917, anno dell'inizio della Rivoluzione d'Ottobre. La storia dell'Hermitage é innanzitutto la storia della più superba collezione di quadri al mondo. Il palazzo, dipinto di bianco e verde, possiede 1786 stanze e ben 1945 finestre. Venne progettato per l'imperatrice Elisabetta dall'architetto italiano Bartolomeo Rastrelli e completato nel 1762, dopo la morte di Elisabetta, in pieno stile barocco. La prima raccolta di pitture fu costituita per merito di Caterina II: la zarina, raffinata mente politica, aveva ben compreso il legame tra il prestigio culturale e il prestigio politico di un'impero. Il museo crebbe a ritmo vertiginoso: in un solo anno, era il 1768, vi entrarono ben seicento opere di pittori fiamminghi, olandesi e francesi. Quattro anni dopo venne acquisita la prestigiosa collezione Crozat con opere di Rubens, Giorgione e Rembrandt, forse la piu' ricca del diciottesimo secolo. Nel settecento la sezione di quadri diventa una delle più importanti al mondo con l'acquisto delle proprietà dell'ex ministro inglese Walpole; arrivano in Russia altre opere di Rembrandt e Rubens ma anche quadri di Guido Reni, Poussin Lorrain e Jordaens.

Dopo tre secoli di raccolta paziente, il museo vanta grandi opere di ogni stagione pittorica per un totale di più di 16 mila quadri. Naturalmente l'Hermitage non è solo raccolta di pitture: all'interno dei suoi otto compartimenti (Culture primitive dal Paleolitico agli Slavi, Arte Orientale, Arte del Vicino e Medio Oriente, Antichità Classiche, Cultura e Arte Russa, Arte dell'Europa Occidentale) offre ai visitatore un quadro completo sullo sviluppo delle arti figurative mondiali. Non va tuttavia dimenticato che le opere visibili al pubblico sono solamente un decimo di quelle disponibili. E' certo che nei sotterranei dell'Hermitage, catalogati ed ordinati in pesanti casse di legno di betulla, si trovano tesori di valore inestimabile: incisioni di Rembrandt, Goya e Delacroix e ancora monete, orologi, porcellane e mobili di ogni epoca.

Nel 1922 quasi tutto il palazzo era stato ceduto per ospitare la collezione d'arte dell'Ermitage, mentre un'altra parte fu occupata fra le due guerre dal Museo della Grande Rivoluzione Socialista di Ottobre.

Con il nome di Ermitage si indica il complesso architettonico che comprende vari edifici costruiti tra il XVIII e il XIX secolo:

il Palazzo d'Inverno (1754-1762), progettato da Bartolomeo Rastrelli
il Piccolo Ermitage (1764-1775), opera di Jean-Baptiste Vallin de la Mothe e di Jurij Velten
il Grande Ermitage, detto anche Vecchio Ermitage (1771-1787), progettato da Jurij Velten
il Nuovo Ermitage (1839-1851) realizzato da Leo von Klenze
il Teatro dell'Ermitage (1783-1789), progettato da Giacomo Quarenghi.

La ceramica di Caltagirone: le origini e la tradizione

2011-11-11T15:29:00.001+01:00

L'origine della ceramica siciliana ha radici molto antiche, quando Sicani e Siculi erano padroni di tutta la Sicilia. Qal'at al Ghiran, ovvero Rocca dei Vasi: la vocazione della città alla ceramica è iscritta nel suo stesso attuale nome di origine araba. E’ una storia millenaria quella della ceramica di Caltagirone. Una tradizione ininterrotta che per millenni, da quando l’uomo ha imparato a dominare l’acqua, la terra, l’aria e il fuoco, ha sempre avuto in questa città generazioni di artigiani, ma anche di artisti, che ne hanno interpretato in modo originale la capacità di creare forme e colori. Furono i cretesi, ad esempio, che intorno all’anno 1000 a.C. introdussero in Sicilia l’uso del tornio, che rivoluzionò l’attività degli artigiani siculi. L’esempio più significativo di tale produzione locale di influenza greca è il cratere a figure rosse conservato presso il Museo della Ceramica di Caltagirone, che raffigura la scena di un vasaio che lavora, assistito dalla dea Athena, alla tornitura di un pithos, ulteriore testimonianza di come a Caltagirone tale attività in quel periodo fosse diffusa e considerata prestigiosa.
L'insediamento dei Rodio-Cretesi che fondarono Gela, hanno reso la città di Caltagirone una delle più fiorenti colonie greche di Sicilia. Infatti, essi trasmisero l'arte della produzione del vasellame nell'area di influenza che andava dall'isoletta di Mozia e da Marsala per la Sicilia occidentale, a Riesi, Mazzarino, Ragusa, Siracusa, Caltagirone, Centuripe, Megera Iblea e Naxsos per la Sicilia orientale. Dopo un periodo di decadenza durante la dominazione bizantina, dovuta alla politica fiscale e in seguito alle devastazioni vandaliche e alle scorrerie dei pirati che insidiavano la città, l'avvento degli Arabi nell'827 ridiede un nuovo impulso all'arte della ceramica, apportando le conoscenze dell'arte decorativa di questa civiltà, che attraversava il periodo più fiorente. Furono, infatti, gli Arabi che insegnarono a praticare l'invetriatura e la decorazione del vasellame, appresa a loro volta in Persia, Siria ed Egitto, conferendo in tal modo una nuova dignità all'arte della ceramica isolana.

Comunque Caltagirone, essendo una tra le più importanti città della Val di Noto per ricchezza e per il suo estesissimo patrimonio feudale, e in quanto sede di potenti famiglie catalane, vide sempre più prosperare l'arte della ceramica, e mentre in altri centri di produzione come Siracusa e Licata quest'arte si indeboliva a causa delle continue scorrerie a mano armata delle parti contendenti e dei pirati, Caltagirone, poichè posta all'interno dell'isola, e quindi più quieta e lontana dalle lotte, conobbe una notevole prosperità, tanto da farne l'unico centro di produzione della Sicilia Orientale, ed ivi visse indisturbato sino al terremoto del 1693 a seguito del quale, per la necessità della ricostruzione, molti artigiani affinarono le proprie capacità produttive, per adeguarsi ad una continua evoluzione di stili e decori. Nel XIX secolo, Caltagirone è ormai divenuto il più grande centro siciliano di produzione di vasellame e stoviglierie, di cui ancora oggi esistono molti reperti nel mercato dell'antiquariato, e fioriscono in tal modo le fabbriche dei “cannatari”, ovvero produttori di “cannate”, termine dialettale con il quale si indicano le brocche da vino. Nel 1918, per merito di Don Luigi Sturzo, in città fu inaugurata la Scuola di Ceramica di Caltagirone (l'attuale Istituto d'Arte per la Ceramica) che ha dato nuova linfa alla produzione di manufatti in ceramica, come testimoniano le decine e decine di botteghe artigiane presenti oggi nel suo territorio e che le hanno dato l'appellativo di "Città della ceramica".

Dopo un passato glorioso che la vide, per oltre due millenni, roccaforte privilegiata per bizantini, arabi, genovesi e normanni, che controllavano le due piane, quella di Catania e di Gela, oggi vive un periodo di rinnovato sviluppo, grazie principalmente a due grandi risorse, il turismo e la produzione della ceramica. Ricca di chiese, pregevoli palazzi e ville settecentesche, per l'eccezionale valore del suo patrimonio monumentale è uno dei comuni del Val di Noto che è stato dichiarato Patrimonio Mondiale dell'umanità.

L'argilla, un'espressione creativa della terra

2011-11-09T15:46:00.001+01:00

"Che cos’è la creatività?…è la capacità di "vedere"…e di "rispondere",
Erich Fromm.

La creta o argilla è da considerarsi un materiale povero, ampiamente utilizzato dall'uomo di tutto il mondo, fin dalla preistoria.
La conoscenza dell'argilla e delle sue capacità plastiche probabilmente è avvenuta del tutto casualmente.
L'attenzione dell'uomo primitivo potrebbe essere stata attirata da impronte lasciate su un terreno argilloso ed essiccate al sole o dal rassodamento del terreno dove ardeva il fuoco. Al giorno d'oggi plasmare l'argilla e lavorare la ceramica è una piacevole ed rilassante attività che ci permette con poca spesa e in modo semplice di creare costruire manipolare esprimendo la nostra immaginazione e fantasia. L'argilla, è una roccia composta da uno o più minerali, si trova di solito a 50 cm/1 m circa di profondità nei punti dove la terra si è staccata di netto, sui gomiti o nelle crepe vicino ai torrenti. Per essere impastata l'argilla necessita di ulteriore acqua aggiunta che evapora quasi totalmente durante l'essiccazione.

Lavorazione dell'argilla.

L'argilla deve essere ben impastata prima della modellazione in modo da eliminare tutti gli eventuali vuoti d'aria e renderla compatta. Inoltre bisogna usare piccoli accorgimenti e cura nella lavorazione, non manipolarla eccessivamente per evitare di sfaldare la sua struttura in modo che non si formino crepe e rotture durante le fasi di essiccazione e cottura. Proprio durante l'essiccazione l'oggetto subisce una riduzione di volume che varia a secondo della qualità di argilla utilizzata: le particelle d'acqua evaporano, lasciando così degli spazi vuoti, le altre molecole, quindi, slittano avvicinandosi, coprendo quasi tutto lo spazio lasciato dall'acqua. I vuoti che rimangono una volta avvenuta l'essiccazione danno luogo alla porosità dell'oggetto.

Cottura.

Una volta essiccato il manufatto, lo si cuoce, in forni speciali che raggiungono temperature molto elevate; con la cottura l'oggetto si riduce ulteriormente e diviene più leggero e resistente. Esistono diversi e numerosi modi di cuocere l'argilla, ma in ogni caso il calore deve aumentare gradualmente e la cottura è un processo che necessita di molte ore. Le proprietà dell'argilla si possono riferire: alla resistenza, la plasticità, la rapidità di essiccazione, la riduzione, la qualità di cottura e la vetrinatura: non tutte queste qualità possono corrispondere ad un solo tipo di argilla.

- I colori usati per la decorazione della terra cotta sono di vario tipo: sono generalmente composti da terre e ossidi. Questi si possono suddividere in due tipi: Piombici ed apiombici; i primi sono destinati alla decorazione di prodotti di tipo ornamentale come ad esempio vasi, portaombrelli, anfore ecc. i secondi sono destinati per la stoviglieria.
- Gli smalti : si presentano sempre come polveri, hanno lo stesso effetto vetrificante della cristallina, ma si differenziano da essa in quanto coprenti e di diversi colori.
- La cristallina : è una vernice trasparente composta di silice sostanze vetrose e sostanze fondenti: si presenta come una polvere bianca da diluire nell'acqua.

La decorazione della ceramica è un procedimento piuttosto delicato e solo con una lunga esperienza si possono raggiungere i risultati desiderati.

Faenza, la città della ceramica per tradizione

2011-11-03T10:39:00.001+01:00

"Si usa uno specchio di vetro per guardare il viso e si usano le opere d'arte per guardare la propria anima" - George Bernard Shaw.

Faenza, di origine romana, è una splendida città d’arte la cui fama brillava nel periodo rinascimentale per la produzione di oggetti in ceramica, di squisita fattura, esportati in molti Paesi europei. A favorire la produzione di ceramica sono state probabilmente le caratteristiche dei tipi di argille reperibili nelle acque del fiume Lamone, presso il quale è sorta la città romagnola. Tuttavia Faenza diverrà celebre per le sue ceramiche con il Rinascimento.
La ceramica di Faenza è la cosiddetta maiolica (o “faenza smaltata”), dove "Maiolica" è un termine usato anticamente per definire quei prodotti ceramici provenienti dall'isola di Maiorca, che originariamente erano ricoperte da una superficie di smalto stannifero, ovvero la ceramica dotata di un rivestimento vetroso opacizzato con l’ossido di stagno. Alla produzione di vasellame smaltato, piuttosto pregiato e quindi costoso, era affiancata la ceramica ingobbiata, ovvero rivestita di un sottile strato terroso di colore bianco o giallino, scelta per oggetti di forma aperta come piatti e ciotole. Un’altra variante, ancora più “povera”, era la faenza invetriata, ceramica di argilla rossa ricoperta di vetro trasparente per avere un effetto impermeabilizzante, e che trovava impiego nella produzione di vasellame da tavola e da cucina.
Questa “produzione differenziata” di maioliche smaltate e ingobbiate/invetriate perdura fino all'ultima metà dell’Ottocento, quando la ceramica di Faenza entra in una fase critica che vede alcune delle maggiori fabbriche chiudere. La ripresa però è rapida: gli inizi del Novecento vedono una svolta culturale e artistica che ha il suo emblema nella fondazione del Museo Internazionale delle Ceramiche (1908) per intuizione Gaetano Ballardini. Il Museo diviene in breve tempo il punto di riferimento per la ceramica italiana di ogni epoca. L’arte ceramica faentina è tutt'oggi ancorata al lavoro di singoli artigiani o botteghe a conduzione famigliare che affiancano nuove tendenze estetiche a stili decorativi tradizionali di epoca medievale e ottocentesca.

Ma Faenza non è solo ceramica. È una città impreziosita da emergenze architettoniche ed episodi urbanistici di grande rilievo. Il centro della città è costituita dalle piazze della Libertà e del Popolo. Da queste partono i corsi principali che dividono la città stessa in quattro rioni, denominati Rosso, Verde, Giallo e Nero. Su un lato della piazza della Libertà si staglia la poderosa mole della Cattedrale, costruita da Federico Manfredi, che pose la prima pietra il 25 maggio 1474. Prossima al crocevia tra i due assi stradali principali è la barocca Fontana di Piazza di Domenico Paganelli (1545-1624). Tipica è la Torre dell'Orologio, ricostruita dopo il 1944; in una nicchia si trova una Madonna col bambino di Francesco Scala (sec. XVII). Nella piazza del Popolo sorge il palazzo del Podestà (sec. XII), unito alla Torre da un ballatoio. Di fronte si trova il palazzo del Municipio coi suoi antichi merli ghibellini. In viale Baccarinì è il museo internazionale delle ceramiche, fondato da Gaetano Ballardini nel 1908, che offre una rassegna interessante ed esauriente dell'arte ceramica con particolare riguardo alla produzione faentina. Pregevole il teatro comunale Masini; esempio di architettura neoclassica, è il risultato di modifiche tardo ottocentesche sull'originale facciata del Pistocchi (1780-1787). A circa sei chilometri dal centro si trova la Torre di Oriolo dei Fichi, antico castello a base esagonale, risalente al sec. IX, in cui trovò rifugio il frate Alberico Manfredi di dantiana memoria.

Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio

2011-09-26T19:42:00.002+02:00

"Quando non c'è energia non c'è colore, non c'è forma, non c'è vita" - Michelangelo Merisi.

Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (nome tratto dal paese lombardo che gli ha dato i natali), nasce il 29 settembre del 1571 da un architetto a servizio del marchese di Caravaggio, Francesco Sforza. Il pittore apparteneva ad una famiglia stimata e abbastanza agiata. La sua vocazione deve essersi manifestata molto presto, poiché già nel 1584 entra come allievo nella bottega del pittore bergamasco Simone Peterzano, allievo di Tiziano. E' un periodo in cui si avvale di alcuni protettori, tra cui gli Sforza e i Colonna, oppure come ad esempio il cardinale Del Monte, che lo alloggia nel suo palazzo e gli commissiona nature morte. Nel 1592 l'irrequieto pittore decide di trasferirsi a Roma, dove è accolto fra la servitù di Pandolfo Pucci, un nobile locale. Ancora poco autonomo si vede costretto a lavorare per artisti piuttosto noti al tempo, come Anti veduto Grammatica, Lorenzo Siciliano o Giuseppe Cesari noto come il Cavalier d'Arpino, pittore di soggetti floreali, di nature morte o di soggetti religiosi. In questi anni "fu assalito da una grave malattia che, trovandolo senza denari, fu necessitato andarsene allo Spedal della Consolazione" (Baglione): è il periodo in cui dipinge i famosi ritratti allo specchio ed il "Bacchino malato" (conservato nella Galleria Borghese). La svolta nella carriera di Caravaggio è segnata dall'acquisto de "I bari" da parte del cardinal Francesco Maria del Monte: dopo questo avvenimento, si trasferisce in Palazzo Madama, residenza del cardinale, dove resta fino al 1600.

Ma gli episodi della vita dell'artista durante questi primi anni romani rimangono oscuri e inquietanti. Nel 1597 gli viene chiesto di dipingere alcune tele per la cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi ("Vocazione e martirio di San Matteo, San Matteo e l'angelo") che lo rendono celebre e contestato. Di quest'ultima opera dovrà fornire una nuova versione, poiché era stata giudicata volgarmente irriverente. Da allora e fino al 1606, la storia di Caravaggio è costellata da vari avvenimenti truci e violenti che si sovrappongono. Da un lato realizza numerose opere di notevole importanza che sottolineano la sua fecondità e potenza creativa: tanto per fare un esempio, tra il 1600 e il 1601 dipinge la "Crocifissione di San Pietro" e la "Conversione di San Paolo"; nel 1604 la "Madonna dei pellegrini o di Loreto", nel 1605 la "Morte della Vergine", rifiutata dai religiosi di Santa Maria della Scala e acquistata invece dal duca di Mantova, su consiglio del giovane Rubens.

Negli stessi anni segnati da questa esplosione creativa, a partire dal 1603, si succedono senza interruzione denunce alla polizia, risse, processi: nel 1605 Caravaggio si rifugia a Genova, dopo aver ferito un cancelliere in tribunale. Nel maggio del 1606, un duello si conclude tragicamente con l'uccisione del suo avversario (ma lui rimane comunque ferito), omicidio che lo costringe a fuggire, prima a Palestrina e poi nell'Italia meridionale. Comincia allora una vita da fuggiasco, in cui si alternano successi e sventure. Nel 1607 si reca a Napoli dove esegue per chiese e conventi alcuni capolavori come la "Flagellazione di Cristo" e le "Sette opere di misericordia". Ma le sue peregrinazioni non si fermano e anzi lo portano, siamo nel 1608, fino a Malta. Il ritratto del gran maestro Alof de Wignacourt gli vale altre ordinazioni, in particolare il grande "notturno" della "Decollazione di san Giovanni Battista", conservato appunto nel duomo di La Valletta. Caravaggio è accolto nell'ordine dei Cavalieri, ma notizie provenienti da Roma, riguardanti i motivi del suo esilio, provocano un'inchiesta e quindi l'ennesima fuga del pittore.

In autunno si reca in Sicilia. dove, spostandosi da una città all'altra lascia numerosi esempi del suo genio: il "Seppellimento di Santa Lucia", eseguito a Siracusa per l'omonima chiesa; la "Resurrezione di Lazzaro" e l'"Adorazione dei pastori" oggi esposte al museo di Messina e una "Natività", conservata nell'oratorio di San Lorenzo a Palermo. Ritornato a Napoli nell'ottobre del 1609, è aggredito e gravemente ferito. Nel contempo i suoi protettori romani si adoperano per ottenergli la grazia. Ancora convalescente si imbarca nel luglio del 1610 per lo Stato pontificio. Arrestato per errore alla frontiera di Porto Ercole e liberato due giorni dopo, vaga lungo le spiagge alla vana ricerca della barca che lo aveva trasportato lì. Colpito dalla febbre, Michelangelo Merisi si spegne il 18 luglio 1610 in una locanda, in solitudine, qualche giorno prima che fosse annunciata l'approvazione della domanda di grazia.

Artemisia Gentileschi, storia di una passione

2011-09-20T17:15:00.000+02:00

"Quando si scrive delle donne, bisogna intingere la penna nell'arcobaleno" - Denis Diderot.

Sono rari i casi di donne divenute famose nel campo artistico, soprattutto nel periodo classico e moderno. Le donne sono sempre state relegate a svolgere mansioni di second’ordine da condizionamenti di natura culturale e sociale. Spesso sono state costrette a mortificare la propria personalità artistica scrivendo sotto falso nome; facendo firmare i quadri da altri; comunque sempre relegate nell'anonimato. Artemisia Gentileschi fu sicuramente una delle poche protagoniste femminili della storia dell’arte europea. Figlia di Orazio Gentileschi (1563-1639), conosciuto artista pisano dagli iniziali stilemi tardo-manieristi, trapiantato a Roma dal 1585, ove sarà poi chiamato per collaborare come aiuto nei lavori della Biblioteca Sistina in Vaticano, quindi amico e seguace di Caravaggio (nonostante fosse di un decennio più anziano)
al tempo della sua mirabolante esperienza nella città pontificia (conclusasi nel 1606 con la fuga errabonda dopo la lite omicida col Tomassoni), la figura artemisiana appare particolarmente proclive alla trasposizione di vicende private nell'effettualità della propria vita artistica, ma anche all'operato abuso in sede storiografica, che ne ha spesso cancellato le reali qualità propositive. Il quadro delle sue vicissitudini giovanili testimonia di un retroterra psicologico deciso ma non facilmente padroneggiabile, proteso da un lato a recepire positivamente gli stimoli offerti da discussioni e frequentazioni canalizzate dall'attività paterna, che favoriranno una precocità di approccio e un versatile affinamento della tecnica pittorica, ma aperto dall'altro su scenari affettivi poco rassicuranti, inerenti

alla questione dei difficili rapporti con Orazio, chiuso col suo irascibile temperamento nell'incapacità d'espansione comunicativa e oltretutto distrattamente assente dalle responsabilità gestionali della conduzione familiare, difatti affidate ad Artemisia per la custodia dei fratelli, e alle cure educative di un vicinato equivocamente immerso nel clima postribolare di quella Roma popolana, in cui nepotismi e intrighi politici di basso profilo attornianti la corte pontificia costituivano sfondo agli intrecci coi traffici delle committenze che un ceto artistico nomadico e bohémien, animato più da un'indirimibile ansia di promozione economica che di prestigio intellettuale, si contendeva secondo una spietata lotta concorrenziale. Nella prosaicità "epicurea" di questa rarefatta atmosfera avventuristica, matura la dolorosa e prolungata esperienza di stupro, subita dall'artista per opera del collega e amico paterno Agostino Tassi (1580-1644), già suo insegnante di prospettiva e personaggio fin troppo scopertamente compromesso con una visione fallocentrica ed erotomane, adusa alla funzionalità oggettivata e sessualmente strumentale del corpo femminile (risultando già precedentemente coinvolto in numerosi processi per stupro, atti di libidine violenta e incestuosa, ecc.). L'iter probatorio culminò nella drammatica tortura dei "sibilli" (cordicelle strette attorno alle dita), inflitta dagli inquisitori ad Artemisia per acclarare, secondo la significativa mentalità giurisprudenziale coeva, l'accertamento della verità. Alla fine del processo Tassi scontò otto mesi nella prigione di Corte Savella ma alla fine il caso fu archiviato.

L'influsso della corrente naturalistica in voga all'epoca nella città partenopea si fa prepotentemente presente nelle opere del periodo (Giuditta e la fantesca, Betsabea al bagno, Nascita del Battista e Storie di San Gennaro). Tra il 1639 e il 1641 si reca in Inghilterra per assistere il padre anziano e malato, fino alla morte di questi, lavorando a più riprese per la corte e l'aristocrazia.

Giuditta che decapita Oloferne. Probabilmente ispirato dal suo stato d’animo durante il processo esso rappresenta una delle scene più cruente della Bibbia. La decapitazione del feroce generale assiro Oloferne ad opera di Giuditta e di una sua ancella. Ella si intrufola nel campo nemico per compiere il glorioso gesto. Strano particolare del quadro la presenza della seconda donna come compartecipe dell’atto. Nella scena biblica Giuditta compie il gesto da sola mentre l’ancella aspetta fuori, vedendosi consegnata la testa all’uscita. Quasi a voler ancor di più riscattare il ruolo eroico ed essenziale della figura della donna. Il quadro - di soggetto perfettamente analogo a quello della tela, un po' più piccola e dai diversi colori, eseguita in precedenza e conservata oggi nel Museo Capodimonte di Napoli.

Il resto della sua vita è segnato da continui spostamenti, dovuti alla fama crescente: Napoli, Londra: tutte le corti europee ambiscono ad incontrare la bellissima artista che ormai non viene considerata a livello inferiore di un uomo.
La sua vita termina nel 1652 a Napoli, dove, nonstante il successo riscosso in gioventù, muore sola e dimenticata da tutti.

Le grandi artiste della storia - Elisabetta Sirani

2011-09-15T14:59:00.000+02:00

Si usa uno specchio di vetro per guardare il viso; e si usano le opere d’arte per guardare la propria anima - G. Bernard Shaw.

Anime prigioniere le donne, quasi spiriti passivi della storia, che solo ultimamente hanno cercato di prendere in mano la loro libertà di espressione. Alle donne infatti, se ben si analizza il loro percorso nella storia, non è mai stato permesso di esprimersi liberamente nel campo dell’arte e della cultura. Il loro ruolo rimane sempre isolato e limitato a quello di muse ispiratrici. Considerate, fin dall'antichità, esseri inferiori, hanno vissuto per secoli oppresse dalle convenzioni sociali da una pretesa inferiorità; nessuna poteva dar voce alla propria creatività nella produzione di opere che non fossero l’ornato o il cucito, stretto confine da cui pareva impossibile smarcarsi. Sfogliando “l’Arte al femminile” si scopre che in realtà le donne che hanno fatto la storia dell’arte sono molto più numerose di quel che si crede, però la loro fama è stata offuscata per questo, quasi tutti ne ignoriamo l’esistenza. Fino al XIII secolo, chiunque porta la gonna non può seguire lezioni di nudo in accademia. Quelle poche donne che si dedicano alla pittura devono accontentarsi di disegnare nature morte e miniature. Elisabetta Sirani, per poter continuare a dipingere viene addirittura costretta ad eseguire pubblicamente un dipinto per dimostrare di essere veramente dotata. La libertà comincia con l’inizio dell’800, quando fioriscono dappertutto atelier per sole donne. Questo non significa riconoscimenti per i capolavori eseguiti dai geni femminili, ma solo una nuova moda per le signore di alto rango che con la pittura trovano un nuovo passatempo. Bisognerà aspettare l’inizio del XX secolo per vedere aumentare la partecipazione delle donne alla vita culturale, grazie alle associazioni femministe che lotteranno contro la disparità sessuale. Ma la battaglia era solo agli inizi….

Esponente di primo piano del classicismo bolognese e europeo, è una figura complessa e peculiare, che si integra nel suo tempo per trascenderlo sotto molti aspetti. È una donna glorificata come protagonista di una professione tipicamente maschile. È artista di successo internazionale e maestra nella scuola di pittura da lei fondata: una pittrice professionista nella Bologna del Seicento, ammirata da ospiti illustri e di nobile lignaggio che visitano casa Sirani per vedere Elisabetta all'opera definita “l’angelo-vergine” della pittura bolognese da Carlo Cesare Malvasia, suo primo scopritore e biografo. È la figlia obbediente e rispettosa del padre-maestro, il pittore Giovanni Andrea, che tuttavia dall'influenza del padre si affranca prestissimo cominciando sin da giovane a dipingere su commissione, rivelando una straordinaria padronanza tecnica. Elisabetta Sirani (1638-1665) nacque e visse nella Bologna della Controriforma: seconda città dello Stato Pontificio, in cui la vita culturale era ricca e stimolante. Figlia di Giovanni Andrea, pittore e mercante d’arte allievo di Guido Reni, imparò tecniche e modelli nell'officina paterna. Cominciò a dipingere su commissione a soli diciassette anni, sviluppando ben presto una straordinaria tecnica personale che si rivelò definitivamente quando, nel 1658, le venne commissionato il Battesimo per la chiesa bolognese di San Girolamo alla Certosa.

Suo esordio ufficiale e prima committenza pubblica di grande importanza, l’opera svela la fresca vitalità della pittura di Elisabetta, insieme al suo allontanamento dal pacato linguaggio paterno. Nella pittura della Sirani l’esperienza femminile si incarna in uno straordinario virtuosismo tecnico e in una folgorante rapidità, che le permisero di realizzare in soli dieci anni quasi duecento opere, da lei stessa catalogate accanto alle singole committenze nella sua "Nota delle pitture fatte da me - Elisabetta Sirani". Un’attività instancabile e quasi febbrile, principale causa della malattia che portò l’artista a una morte precoce, dovuta a una grave ulcera gastrica, all'età di ventisette anni. Elisabetta fu seppellita con un solenne funerale accanto alla tomba di Guido Reni, nella chiesa bolognese di San Domenico. La sua morte, improvvisa e inspiegabile, fu accompagnata da un epilogo romanzesco. Lucia Tolomelli, domestica della famiglia, venne sospettata e accusata in un processo (1665-1666) di aver avvelenato la pittrice, causandone la morte. Il processo, basato su accuse non convincenti, si concluse con l’allontanamento della Tolomelli dalla città, ma il mito del presunto avvelenamento perdurò a lungo, alimentando l’alone leggendario che nei secoli avrebbe avvolto la figura dell’artista.

Rimase viva, dopo la sua morte, l’eredità che Elisabetta lasciò alle allieve della sua scuola di pittura, tra le quali le sorelle Barbara e Annamaria (autrici di pale d’altare per le chiese del contado bolognese), Ginevra Cantofoli e Lucrezia Scarfaglia, passata dopo la scomparsa della maestra alla scuola di Domenico Maria Canuti. La leggenda e la celebrità che Elisabetta Sirani acquistò in vita per le sue indubbie doti artistiche si trasformò in una sorta di leggenda dopo la sua morte. Fu il canonico Carlo Cesare Malvasia, suo primo scopritore, a plasmare e perpetuare il “mito Sirani” modellandolo consapevolmente su quello di Guido Reni. Nella biografia dell’artista pubblicata nella sua Felsina Pittrice (1678) la descrive come “l’angelo-vergine” della pittura bolognese del Seicento, la celebra come “il prodigio dell’arte, la gloria del sesso donnesco, la gemma d’Italia, il sole della Europa” e ne piange la scomparsa prematura. La leggenda creata attorno alla sua figura, rafforzata dalla vicenda della sua precoce morte per supposto avvelenamento, andò alimentandosi nei secoli successivi. Elisabetta Sirani divenne soggetto di numerosi testi letterari, tra i quali il Pennello lacrimato (1665), di Giovanni Luigi Piccinardi e la Poesia muta celebrata dalla pittura loquace (1666) e conobbe in seguito una particolare fortuna nell'Ottocento, secolo sensibile alle eroine romantiche.

La pittrice fu celebrata da numerosi componimenti drammatici, romanzeschi e dipinti, che ripresero ed esaltarono la figura della giovane artista uccisa dall’invidia della sua serva. Nuovi e recenti studi ci hanno restituito un’immagine dell’artista affrancata dalla sua leggenda. Oggi Elisabetta Sirani non è considerata solo l’erede al femminile di Guido Reni, ma l’abile professionista che intraprendendo un percorso artistico importante e significativo si rese protagonista del secolo d’oro della pittura bolognese.

Deruta, città della Ceramica

2011-09-09T12:12:00.000+02:00

Cittadina famosa per la lavorazione della ceramica, con la quale vengono realizzati oggetti ed opere di grande bellezza ed importanza, Deruta è certamente uno dei borghi di maggiore interesse dell'Umbria, ponendosi al centro di questa meravigliosa regione, ne incarna pienamente lo spirito e l'arte, costituendosi come un vero e proprio gioiello di storia e bellezze architettoniche, assolutamente degno di essere visitato ed apprezzato in tutta la sua unicità. Le ricerche storiche e ceramologiche che da tempo vengono effettuate sulle origini e la storia della ceramica derutese, consentono, dopo le scoperte più recenti, una più approfondita conoscenza dello sviluppo produttivo-stilistico della ceramica derutese e rendono lecito supporre che le origini, benché non del tutto esplorate, siano piuttosto antiche. I primi insediamenti furono sicuramente favoriti dalla facile reperibilità di argilla,
materia prima della lavorazione della ceramica. La felice posizione geografica di Deruta poi, specie per la prossimità ad importanti vie di comunicazioni terrestri e fluviali, favorendo i commerci e gli scambi, potrebbe aver sostenuto lo sviluppo delle attività dei vasai e l'espansione dei loro commerci. Oltre ai fiorenti ed estesi commerci è la migrazione di maestri vasai, da e per Deruta, fenomeno ampiamente documentato negli archivi storici fin dal Quattrocento. Una ricca documentazione d’archivio ha consentito di identificare alcune delle principali famiglie di vasai dell’epoca quattrocentesca (Masci, Mancini, Del Bianco, Bencioli, Mattioli, Lelli, Francioli e Santucci).

Si è potuto delineare a Deruta l'esistenza di una consistente produzione in stile "tardo-gotico" che, rispetto alla rigidità delle forme e alla stereotipia delle decorazioni del passato, si caratterizza per la ricchezza delle varianti formali e soprattutto iconografiche cui contribuisce la acquisizione di nuovi colori, l'arancio, il giallo e il blu, che si aggiungono alla tavolozza, limitata al verde e al bruno, della "maiolica arcaica". Anche le forme, per lo più realizzate al tornio, conoscono in questo periodo una progressiva trasformazione: i primitivi catini si evolvono in piatti con fondo concavo e tesa stretta e sempre più perdono la funzione d'uso per assumere quella decorativa; ma anche gli oggetti, come tazze e coppe, più vincolati a funzioni utilitarie assumono forme più aperte e arrotondate. Alla trasformazione delle forme corrisponde una complicazione dei motivi ornamentali che vengono per lo più organizzati secondo uno schema formale.

Nella seconda metà del Quattrocento Deruta è interessata da alcuni fenomeni che avranno un'influenza determinante sullo sviluppo della ceramica. In questo ambito la produzione derutese del periodo è quanto mai variegata per qualità e tecniche. Si propone a mercati tanto ricchi che popolari, così che accanto ai raffinatissimi e sofisticati lustri è fiorente anche l’arte delle terrecotte invetriate. Tra le produzioni di maggior pregio, negli ultimi decenni del XV secolo sembra apparire a Deruta una tipologia che costituisce un primo esempio di transizione verso lo stile bello del Cinquecento. Si tratta di un’estesa tipologia caratterizzata dalla presenza di semplici decorazioni a forma di petali sul retro di piatti e piattelli e perciò denominata "petal back". Domina, tuttavia, la scena tra la fine del Quattrocento e gli inizi del Cinquecento la produzione di ceramica a lustro, un tempo denominata "maiolica" prima che il termine finisse per designare tutta la ceramica rivestita a smalto, che renderà giustamente famose le fabbriche derutesi. Circa i soggetti raffigurati, grande importanza è ancora data al ritratto, a scene allegoriche, mitologiche, sacre, spesso tratte da stampe dell'epoca o ispirate dagli esempi della pittura umbra del periodo, specie del Pinturicchio e del Perugino, di cui l’imitazione dello stile è particolarmente riconoscibile in alcuni piatti da pompa che si direbbero usciti da un'unica bottega. Anche nelle forme si determina una ulteriore svolta in senso decorativo e ornamentale trasfigurando le qualità funzionali degli oggetti stessi. Le forme rivelano inoltre una foggiatura raffinata: si assottiglia lo spessore degli oggetti e prevalgono forme arrotondate e sinuose.

Presente già nella seconda metà del Cinquecento lo stile "compendiario", cosiddetto poiché riassuntivo e sommario nel tracciare le raffigurazioni, sembra prevalere nella produzione derutese solo nel Seicento. L'assenza di studi mirati e di ricerche sulla produzione del Settecento ha fatto a lungo ritenere, anche nella pubblicistica ceramologica, che si trattasse di un periodo di decadenza in cui la produzione di ceramica appariva, con poche eccezioni, quasi del tutto scomparsa a Deruta. Si osserva un progressivo abbandono della pittura compendiaria ormai decisamente corsiva e approssimativa per giungere nella seconda metà del Settecento ad uno stile maggiormente colto, più rigoroso e formale, con una certa apertura alle contemporanee tendenze della pittura vedutista e che trova il miglior interprete del periodo nel pittore Giovanni Meazzi di cui sono note diverse opere, molte delle quali realizzate presso la fabbrica di Gregorio Caselli. Tuttavia, dopo queste esperienze, la produzione derutese declina rapidamente giungendo ad un allarmante stato di crisi verso la metà dell'Ottocento. Sembra perciò cessata quasi completamente ogni produzione artistica, mentre sopravvive la produzione di stoviglie ordinarie. Tale situazione sembra dovuta sia al generale ristagno che affliggeva all'epoca l'economia dello Stato Pontificio sia al generale indebolimento delle arti, dovuto a vari fattori socioculturali quali l'indifferenza della Chiesa, la decadenza dell'aristocrazia e la mancanza di una vivace borghesia che lasciava in una situazione di provincialismo e di attardamento culturale gli ambienti culturali e artistici umbri e perugini in particolare.

I primi studi ceramologici, le ricerche storiche e l'interesse di amatori e collezionisti, favorirono la ripresa artistica e industriale che è segnata da una esposizione a premio organizzata dal Comune di Deruta nel 1872. Alla esposizione parteciparono quasi tutte le fabbriche locali esistenti ed esattamente, secondo la classifica finale di merito, quelle di Isocrate Casti, Salvatore Grazia, Angelo Artegiani, Domenico Grazia, Ubaldo Grazia. Nei primi anni del Novecento la produzione si è orientata verso tipologie revivalistiche e classicheggianti, dalla fedele imitazione degli originali cinquecenteschi, compresi quelli a lustro, fino alla rielaborazione di temi decorativi e formali della tradizione ceramica nazionale e alla ritrattistica celebrativa Il successo commerciale fu notevole, sia per le produzioni più tradizionali, sia per quelle più innovative, ispirate alle tendenze del liberty e dell'art decò e, più tardi, a quelle dello stile moderno novecentista, e che trovavano posto nella produzione della "Maioliche Deruta".

Lo splendore della ceramica di Deruta perdura ancora oggi: girando per l'antico borgo, non è difficile imbattersi in botteghe artigiane in cui è possibile cedere alla tentazione di uno shopping che sposa arte e tradizione. Shopping pregiato e di qualità, che da solo merita una visita alla cittadina

La ceramica Raku, fra tradizione e attualità

2011-09-06T10:11:00.000+02:00

L'anima del raku è la gioia di sperimentare e l'istintività; ogni oggetto è unico, particolare e irripetibile.

La ceramica Raku nasce in sintonia con lo spirito zen che esalta l'armonia presente nelle piccole cose e la bellezza nella semplicità e naturalezza delle forme. Grazie ad un artigiano coreano addetto alla produzione di tegole dell'epoca Momoyama (XVI secolo d.C.), Chojiro, che, tra il 1579 ed il 1582, la sviluppò per poter più facilmente creare le ciotole per la cerimonia del tè (cha-no-yu). E' infatti per Sen Rickyu, maestro dello cha-no-yu, che Chojiro iniziò ad utilizzare la tecnica che poi verrà chiamata "Raku". Il termine giapponese raku significa letteralmente comodo, rilassato, piacevole, gioia di vivere, deriva dal sobborgo di Kyōto da cui veniva estratta l'argilla nel sedicesimo secolo. Da allora in poi Raku è diventato anche il cognome della famiglia di ceramisti discendenti di Chojiro, tuttora attiva e che da 15 generazioni porta avanti la tradizione del Raku in Giappone.
Nel Raku Giapponese il biscotto viene sottoposto ad una seconda cottura che serve a vetrificare il rivestimento. Il pezzo, una volta raggiunta la temperatura di fusione dello smalto, viene estratto dal forno e lasciato raffreddare rapidamente all'aria aperta. Nella tecnica tradizionale nulla è lasciato al caso, l'artista segue una precisa sequenza di operazioni che acquistano un carattere quasi rituale. La ciotola è sempre eseguita a mano, senza l'ausilio di particolari strumenti: in questo modo le mani possono esprimersi liberamente trasmettendo all'argilla la sensibilità dell'artista.

Con la diffusione del metodo Raku nel mondo occidentale il vincolo con la cerimonia del tè si è perso e la tecnica ha subito profonde trasformazioni. L'introduzione di varianti personalizzate, la sperimentazione libera e continua, hanno fatto di questa tecnica ceramica un'importante mezzo di espressione artistica, anche se per le stesse ragioni lo stesso termine "Raku" ha perso a poco a poco il contatto con la sua origine. Vediamo allora come si prepara un prodotto in ceramica raku.

Durante il processo raku il pezzo subisce un forte shock termico; è quindi necessario utilizzare un'argilla robusta e refrattaria. Questo tipo di terra ha al suo interno della chamotte (granelli di sabbia) che diminuiscono il grado di contrazione, evitando così la probabilità di frattura. Il pezzo in argilla refrattaria bianca dopo esser stato modellato viene cotto una prima volta tra 950-1000 °C; dopo di che avviene la decorazione. In questa tecnica vengono utilizzati ossidi o smalti, quindi per avere un verde, ad esempio, non si utilizza il pigmento dello stesso colore ma l'ossido di rame. Mentre la cottura raku, la seconda cottura, avviene in un apposito forno dove la temperatura sale a 950 °C - 1000 °C. Quando il colore diventa lucido e il pezzo è incandescente si procede all'estrazione. L'innovazione più importante rispetto alla tecnica tradizionale è quella che prevede una post cottura riducente anzi che ossidante: il pezzo cioè, una volta estratto dal forno viene inserito in un recipiente contenente foglie, paglia, segatura o altro materiale infiammabile.

Tale operazione innesca una combustione che viene subito soffocata dal ceramista, generando un'atmosfera riducente che avvolge il pezzo. Questo processo determina (in combinazione con gli ossidi dello smalto) particolari effetti e sfumature, spesso unici e casuali. Il processo di riduzione può essere parziale o totale. L'elemento che denota il tipo di riduzione ottenuto è il colore dell'argilla non smaltata: è nera con la riduzione totale e si schiarisce nei toni di grigio a contatto con l'ossigeno. La riduzione totale si ottiene chiudendo completamente il contenitore, in modo che non entri aria. Dunque il tipo di riduzione cambia in base a una serie di variabili: il combustibile (il suo potere di combustione, la sua umidità ecc.), il tempo che intercorre tra l'estrazione e la riduzione (tempo di contatto con l'ossigeno), la copertura - totale o parziale - dell'oggetto. Specifichiamo che i forni per la cottura dei pezzi Raku sono di due tipi : quello per il nero e quello per il rosso.

Il forno per Raku nero raggiunge temperature tra i 1200/1250°C ed è munito di un mantice esterno che rende più veloce la combustione del legno; il pezzo posto in un contenitore chiuso all'interno del forno raggiunge così in breve tempo la temperatura di fusione dello smalto, estratto dal forno viene posto all'aperto subendo un repentino raffreddamento. Il forno per Raku rosso anch'esso di forma circolare non è munito di mantice esterno e raggiunge una temperatura più bassa, intorno ai 1000°C. La riduzione dei tempi di cottura rende gli oggetti Raku più leggeri e meno duri.

Similmente ad altre espressioni artistiche, è comunque, necessario conoscerne la storia e la filosofia originaria per poter sviluppare da questa un nuovo tipo di ceramica che partendo da una conoscenza non superficiale di una tecnica riesca a trarne delle nuove valenze e dei nuovi stimoli espressivi, liberi anche dall'attaccamento ad un nome che poco ormai gli appartiene e lo rappresenta.

Raku significa gioire il giorno, vivere quindi in armonia con le cose e con gli uomini. Rappresenta nella ceramica un' importante esperienza e momento di cultura che avvicina l' uomo agli elementi terra, acqua e fuoco.

Salvador Dalì - " Il Surrealismo sono io "

2011-09-02T13:11:00.000+02:00

"Tutto influisce su di me, niente mi cambia" - Salvador Dalì.

Cocktail ben assortito di genialità e delirio, pittore del surreale e di mondi onirici, Salvador Dalì ha avuto una vita segnata dalla stranezza fin dal principio.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domènech, marchese di Púbol, nato a Figueres in Catalogna nel 1904. E'stato un pittore, scultore, scrittore, cineasta e designer spagnolo, un abile disegnatore tecnico, ma è celebre soprattutto per le immagini suggestive e bizzarre delle sue opere surrealiste. Il padre Salvador Dali y Cusì, è notaio. Uomo severo, colto, possiede una ricca biblioteca dove Salvador fa le sue prime scoperte letterarie e filosofiche. Dalì che trascorre le estati a Cadaques fin da piccolo, popolando la sua vita di figure immaginarie, di segni avvertiti come predestinazioni alla gloria. Dali è bravo nel disegno, ha talento per la pittura.
Se ne accorgono i Pichot, una famiglia di artisti presso la cui residenza i Dalì soggiornano spesso, e il pittore tedesco Siegfried Burmann: è lui che nel 1914 regala a Salvador la sua prima tavolozza. Nel 1921, alcuni mesi dopo la morte della madre, viene ammesso all'Accademia d'Arte di S.Fernando a Madrid dove stringe amicizia con Federico Garcìa Lorca e il regista Luis Buñuel. Verrà un anno dopo sospeso a causa delle feroci critiche ai suoi insegnanti e definitivamente espulso nel 1926, anno in cui tra l'altro incontra Picasso a Parigi. Dalí già attira interesse su di sé con i suoi modi da eccentrico dandy. Porta i capelli e le basette lunghe, e si veste con giacche, calze lunghe e calzoni alla zuava come gli esteti britannici alla moda della fine del XIX secolo. Sono però i suoi dipinti, nei quali mostra di accostarsi al cubismo, a guadagnargli in effetti l'attenzione dei suoi compagni di corso. Si accosta anche al movimento dadaista, che continuerà ad influenzare il suo lavoro per tutta la sua vita. Egli assorbe influssi da moltissimi stili artistici diversi, spaziando dalla pittura classica all'avanguardia più estrema.

Nel 1929 collabora con Buñuel alla regia del film "Un chien andalou" a Parigi ed incontra Tzara, i surrealisti, Paul Eluard e Gala ( una musa, fonte di ispirazione e futura moglie Gala, il cui vero nome è Elena Ivanovna Diakonova, un'espatriata russa di undici anni più vecchia di lui ). Nell'anno successivo Dali sviluppail suo celebre metodo paranoico-critico. Nel 1934 la sua mostra personale a New York riscuote un successo grandioso; tale successo è immediatamente successivo al suo primo scontro con i surrealisti in occasione dell'esposizione dell'opera "L'enigma di guglielmo Tell". Nel 1938 partecipa alla mostra internazionale dei surrealisti a Parigi e nell'estate dello stesso anno Freud e Dali si incontrano a Londra.

L'anno seguente si compirà la sua rottura definitiva con i surrealisti; dopo un breve soggiorno a Parigi, resterà a New York con Gala fino al 1948. Importante segnale di questo periodo è la mostra Dalì - Mirò; al Museum of modern Art a New York, nonché la collaborazione cinematografica con Hitchcock per il film "Spellbound". Al suo ritorno in Europa Salvador Dali collabora come scenografo con Luchino Visconti e Peter Brook. Nel 1951 inaugura con la pubblicazione del "Manifesto mistico" il suo periodo corpuscolare; nell'anno successivo espone a Roma e Venezia. Il genio di Dalì viene sempre più riconosciuto a livello internazionale, con conferenze e mostre in luoghi autorevoli, quale quella del 1956 alla National Gallery di Washington. Nel 1961 si tiene a Venezia la prima del balletto "Ballet de Gala": di Dalì le scene e il libretto, mentre le coreografie sono affidate al grande Maurice Béjart.

Sette anni dopo espone le sue opere stereoscopiche al Guggenheim Museum e a maggio del 1978 viene nominato membro dell'Académie des Beaux-Arts di Parigi. L'anno seguente si tiene una retrospettiva di Dalì al centre Georges Pompidou di Parigi, trasferita poi alla Tate Gallery di Londra. Il 10 giugno del 1982 muore Gala e nel luglio dello stesso anno gli viene conferito i titolo di Marchese di Pùbol. Nel maggio dell' 83 dipinge "La coda di rondine" suo ultimo quadro. Nel 1984 riporta gravi ustioni nell'incendio della sua camera al castello di Pùbol, dove oramai stabilmente risiede. Il 23 gennaio del 1989 Salvador Dalì muore nella torre Galatea a causa di un colpo apoplettico. In rispetto delle sue volontà, viene sepolto nella cripta del Teatro-Museo Dalì a Figueras. Nel suo testamento lascia allo Stato spagnolo tutte le opere e le sue proprietà. Viene organizzata una grande retrospettiva postuma nella Staatsgalerie di Stoccarda, trasferita poi alla Kunsthaus Zurich.

A sei anni volevo diventare cuoco. A sette anni volevo essere Napoleone. Ma l’età della ragione mi ha insegnato che non c’era ambizione più alta del diventar Dalì " - Salvador Dalì.

Le origini della ceramica greca

2011-08-31T17:03:00.000+02:00

La penisola greca, situata nel Mediterraneo orientale, ricca di zone montuose e povera di pianure, è stata la culla di quella che oggi definiamo Epoca classica.

La parola “ceramica” deriva dal greco “kéramos” che significa letteralmente “argilla per stoviglie”: questo tipo di materiale, costituito da una terra a base di silicato di alluminio e con un colore che va dal grigio al rossiccio (in base alla quantità di ossido di ferro presente), fu il primo materiale ad essere utilizzato dall'uomo, in virtù della sua capacità di assorbire acqua, divenire malleabile al tatto e facilmente plasmabile per realizzare vasellame e altri oggetti indispensabili per conservare cibi e bevande fin dalla preistoria. L’arte della ceramica risale infatti a circa 10.000 anni fa, mentre l’uso del tornio si diffuse a partire dal 3.000 a.C. Questo prezioso strumento per lavorare l’argilla è costituito da una ruota girevole che permette di realizzare l’oggetto modellandolo con le mani, ottenendo così una forma perfettamente simmetrica, e si utilizza in particolare per la creazione di vasi, piatti, ciotole, brocche e per la decorazione degli stessi.
L’utilizzo del tornio, che permetteva una lavorazione più veloce e perfezionata, si diffuse dapprima in Egitto e Mesopotamia (e da qui successivamente in tutto il mondo); in seguito ci si avvalse anche dell’uso degli stampi con i quali era possibile ottenere più copie uguali dalla stessa forma originaria.

Le fasi della lavorazione dell’argilla sono: la foggiatura a mano, per dare una forma a ciascun oggetto, poi una lenta essiccazione per eliminare l’acqua presente nell’impasto della terra e quindi la cottura nel forno. Quest’ultimo anticamente era alimentato a legna (raggiungendo temperature di circa 600°), ma a partire dal Rinascimento e fino all’800 si usarono forni a camera in muratura, poi sostituiti dagli attuali forni elettrici in grado di raggiungere i 1300°C. La cottura nel forno è definita “a gran fuoco” se avviene ad alta temperatura, mentre al di sotto degli 800°C è detta “a piccolo fuoco”. Compresa la fase del raffreddamento, indispensabile per evitare la formazione di crepe o spaccature, i vari oggetti rimangono nel forno per circa 12 ore: in questo modo si ottengono i cosiddetti “biscotti”, cioè i pezzi ancora grezzi da decorare, che vengono poi immersi in ossido di ferro e altri minerali prima di venire dipinti a mano. La tipologia delle forme ceramiche greche si occupa delle diverse forme di vasi presenti nella ceramica greca, le quali subirono una continua evoluzione dall'epoca minoica a quella ellenistica. L’arte della ceramica e della pittura vascolare raggiunse nella Grecia antica un alto livello di qualità artistica ed è anche una testimonianza privilegiata della vita e cultura degli antichi Greci.

I vasi greci sono pervenuti ai giorni nostri in gran numero, ma la quantità dei ritrovamenti ceramici rappresenta probabilmente solo un’infima parte della produzione dell’epoca, anche in considerazione del fatto che esistono oggi più di 50.000 vasi provenienti dalla sola Atene. La ceramica greca è caratterizzata dalla grande varietà di forme vascolari e dall'evoluzione degli stili decorativi, dallo stile geometrico alla ceramica a figure nere e a quella a figure rosse.

La ceramica greca è un capitolo importante dell'arte e anche dell'economia greca avendo attribuito ad ogni forma una funzione per le tante esigenze della vita quotidiana, con la ricerca delle forme molto accurata e strettamente in relazione alla sua funzionalità.

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L'Impressionismo nel Café Guerbois

2011-08-30T14:36:00.000+02:00

"Una mattina, siccome uno di noi era senza nero, si servì del blu: era nato l'impressionismo" ( Pierre - Auguste Renoir ).

Il 1870 vede nascere in Francia la Terza Repubblica, la cui piramide sociale è contraddistinta dall'ascesa di una borghesia moderata e conservatrice, che tende ad attuare una politica di difesa dei propri interessi. La città emblema di questa situazione storica, politica ed economica è la capitale francese, Parigi: qui l’aspetto dell’ambiente cittadino è festoso, borghese (spuntano ovunque ferrovie, teatri, casinò, musei..) e si concretizza in particolare nei caffè, luoghi in cui ci si ritrovava per discutere variamente, bevendo qualcosa e ammirando l’ambiente circostante, poiché davano anche sui marciapiedi dei boulevards, i celebri viali alberati parigini. Insomma, tutto è inno alla novità ed al progresso del tempo, infatti questo periodo è ricordato come “Belle époque”.
E’ proprio in uno dei caffè della capitale, il Café Guerbois, che nasce l’Impressionismo, un movimento artistico che vede la sua prima esposizione al pubblico nel 1874 presso lo studio del fotografo Felix Nadar, alla quale parteciparono Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro, Felix Bracquemond, Jean-Baptiste Guillaumin e l'unica donna Berthe Morisot. Si tratta di un gruppo di artisti che si riuniscono per aggregazione spontanea, un po’ come i Macchiaioli: gli Impressionisti sono accomunati dall'insofferenza per la pittura accademica ufficiale, seppure la base culturale del gruppo sia priva di omogeneità.

Concordano inoltre nell'abolizione di qualunque prospettiva geometrica (essa rappresenterebbe una limitazione forzata delle sensazioni che l’ambiente esterno suscita in noi, dunque vi è anche un’abolizione del disegno) e ciò che più conta per loro è l’impressione, l’attimo fuggente in cui le emozioni provate dall'artista nel vedere l’ambiente che dipinge si imprimono nella sua mente. Come si diceva prima, l’abolizione del disegno porta ad un utilizzo esclusivo e fondamentale del colore, le cui sfumature e riflessi sono determinati dalla luce che li colpisce: le pennellate impressioniste sono veloci e brevi, come “tocchi virgolati” (cioè il pennello passa velocemente sulla tela lasciando piccole macchie a forma di virgola) cromatici, dai quali vengono esclusi il bianco e il nero, visti come “non colori”. L’artista impressionista dipinge le sensazioni suscitate in sé dalla realtà prediligendo la tecnica en plein air, cioè all’aria aperta, senza dipingere in atelier (cioè in studio con dei modelli) e avendo cura di ritrarre solo interni autentici, ad esempio un locale di cabaret: questo modo di vedere e sentire l’ambiente circostante come attaccamento all'attimo fuggente porta alla conclusione che per l’Impressionismo la realtà è soggetta ad una evoluzione continua. I colori posti su una tela agiscono sempre operando una tela sintesi sottrattiva: più i colori si mischiano e si sovrappongono, meno luce riflette il quadro.

L’intento degli impressionisti è proprio evitare al minimo la perdita di luce riflessa, così da dare alle loro tele la stessa intensità visiva che si ottiene da una percezione diretta della realtà.

Per far ciò adottano le seguenti tecniche:

1. utilizzano solo colori puri;

2. non diluiscono i colori per realizzare il chiaro-scuro, che nelle loro tele è del tutto assente;

3. per esaltare la sensazione luminosa accostano colori complementari;

4. non usano mai il nero;

5. anche le ombre sono colorate.

L'Impressionismo si diffuse in Europa (anche grazie alla facilità con cui un'opera poteva essere eseguita, a molti impressionisti non occorreva per realizzare un dipinto più di 15 minuti, era facile trovare nelle case borghesi dell'epoca diversi quadri): in Italia ebbe uno sviluppo poco particolare, grazie alle esperienze di Federico Zandomeneghi e Giuseppe De Nittis e dei Macchiaioli, più vicine, tuttavia, alla tradizione quattrocentesca.

Paul Cézanne, pur contemporaneo del movimento, sviluppò in modo indipendente la propria ricerca, che da alcuni viene considerata premessa del Cubismo.

Vincent Van Gogh compì una svolta proprio grazie agli impressionisti, ma da loro si discostò, precorrendo l'Espressionismo.

Concludiamo con una delle citazioni di Paul Cézanne - "Procedo molto lentamente, perché la natura è per me estremamente complessa, e i progressi da fare sono infiniti. Non basta vedere bene il proprio modello, bisogna anche sentirlo con esattezza, e poi esprimersi con forza e chiarezza ".

Frida Kahlo, una Donna Ispanica

2011-08-25T15:27:00.000+02:00

Con l'autunno alle porte può essere carino dare inizio ad un nuovo passatempo, magari una visita in qualche museo o ad una città storica. E' per questo che abbiamo deciso di dar vita ad una nuova rubrica, dedicata all'arte che vi aiuterà a scegliere luoghi e personaggi di interesse. Oggi iniziamo il nostro percorso artistico con una grande pittrice messicana - Frida Kahlo, il cui nome completo era Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, nata a Coyoacan nel 1907, in Messico. In un mondo maschilista come la pittura, soprattutto una volta, essere una donna vuol dire essere inferiore agli altri pittori (maschi). Essere considerati delle pittrici allora era già quasi una nomea di carità e uno sdegno visto che una donna deve, secondo la "tradizione", essere una musa, quindi un'ispiratrice lei stessa e non essere dall'altra parte della tela. Infine Frida Kahlo è messicana ovvero una donna che geograficamente risiede nell'America, ma che non viene considerata americana
e come terzo fattore è comunista verace. André Breton, teorico del Surrealismo che si interessò largamente alla pittura di Frida Kahlo quando soggiornò per un periodo in Città del Messico la incitò a fare una mostra a Parigi, la mecca del Surrealismo. Forse è proprio il suo essere non europea, anche se i suoi nonni paterni lo erano, ad avere incantato maggiormente i parigini. Non dimentichiamo che è proprio il periodo in cui tutto ciò che poteva sembrare esotico riscuoteva successo. La sua pittura - molto intensa - comunica sensazioni di dolore e solitudine ma anche di grande forza, dignità ed amore per la vita. Fu una pittrice dalla vita quanto mai travagliata. Sosteneva di essere nata nel 1910, poiché si sentiva profondamente figlia della rivoluzione messicana di quell'anno e del Messico moderno. Divenne un'attivista del partito comunista messicano cui si iscrisse nel 1928, partecipando a numerose manifestazioni. Non per niente, una volta adulta, cambierà il nome originario Frieda - nome assai usuale in Germania che discende dalla parola "Fried" e che significa "pace" - in Frida per contestare la politica nazista della Germania. A partire dal 1938 la pittura si intensifica: i suoi dipinti non si limitano più alla semplice descrizione degli ‘incidenti’ della sua vita, parlano del suo stato interiore e del suo modo di percepire la relazione con il mondo e quasi tutti includono tra i soggetti un bambino, sua personificazione. Nello stesso 1938 le furono dedicate tre importanti esposizioni a New York, l'anno successivo a Parigi e nel 1953, un anno prima della morte, a Città del Messico. Nella sua casa di Coyoacán, la "Casa Azul", sorge oggi il Museo Frida Kahlo.

Nel 1929 il 21 agosto sposò Diego Rivera, che era al suo terzo matrimonio, pur sapendo dei continui tradimenti a cui andava incontro. Nonostante ciò Rivera le rimarrà accanto fino alla morte avvenuta nel 1954. Frida seppe esprimere nelle sue opere il dolore, la morte - temi di solito evitati, rimossi, con uno stile singolarissimo e unico. Le opere della pittrice messicana continuano ancora ad esercitare un grandissimo fascino artistico ed un forte impatto emotivo. Molto probabilmente questa donna coraggiosa sarà ricordata nei tempi a venire come la più grande pittrice del Novecento. Infine, vi consigliamo per l'approfondimento, naturalmente per l'interesse proprio, leggere il libro "Frida. Vita di Frida Kahlo" di Herrera Hayden oppure nel tempo libero guardare il film " Frida" di Julie Taymor.

Il 21 giugno 2001 viene emesso un francobollo negli Stati Uniti che riporta l'effige di Frida Kahlo (scelta da un autoritratto eseguito nel 1933), il primo francobollo che ritrae una donna ispanica.

Concludiamo la rubrica con una delle sue aforismi, che ci fa capire la tristezza e la solitudine della pittrice - "Aspetto felice la partenza - e spero di non tornare mai più".

La settimana della Ceramica, dal 23 al 31 luglio a Cava dei Tirreni

2011-07-22T18:48:00.000+02:00

Finalmente è arrivato il momento di partecipare con un grande entusiasmo all’evento da tutti aspettato, la settimana della Ceramica Artistica a Cava dei Tirreni, che avrà luogo a partire da domani dalle ore 19 con un brindisi da parte dei partecipanti per una nuova avventura iniziata ai fini di promuovere il prodotto tipico artigianale del posto. L’ iniziativa proposta è un ennesimo traguardo per il comune di Cava, con delle aspettative al quanto sorprendenti; si vedranno tra vari convegni, mostre, appuntamenti anche dei progetti come quello del progetto Summer School, per il quale il Ministero per le attività produttive ha messo a disposizione delle casse comunali un finanziamento di 110 mila euro. Si tratta di una serie di iniziative per coinvolgere il mondo dei ceramisti, promuovere le eccellenze artigianali locali e contribuire allo sviluppo economico e turistico del territorio. Alla fine della “settimana della ceramica “, il 30 luglio, gli esperti di alta qualità si confronteranno per redigere un report sull’avvenuto.

L’idea guida dell’evento è quello di analizzare e raccontare poi a 360° tutto l’universo compositivo della ceramica cavese.

E’ un progetto ambizioso, che con oltre 29 artisti artigiani, presenterà sicuramente un valore artistico che non avrà pari.

Un nuovo volto per la ceramica artistica cavese.

2011-07-12T22:06:00.000+02:00

Finalmente, quest'estate a Cava de'Tirreni, con l'appoggio dell'assessorato comunale per la cultura della città di Cava, si ripropone l'idea di presentare al pubblico le vere e proprie opere d'arte. Forme e colori ceramici dalle svariate tonalità, patrimonio di una viva tradizione di stile. Si opta per la produzione artigianale delle ceramiche, garantendo una qualità impeccabile, non solo delle materie prime, ma soprattutto del prodotto finale, affinché il cliente sia soddisfatto all'acquisto. Piatti da tavola tondi, quadrati, ovali e da pesce, coppette, brocche, boccali, caraffe, anfore, stoviglie, quadri piccoli e grandi con sopra raffigurati gli angoli più suggestivi di Cava de’Tirreni hanno calamitato la curiosità di numerosissimi acquirenti, talvolta ignari che tanto “ben di Dio” fosse prodotto proprio dai loro diretti interlocutori, nei laboratori siti, per la gran parte, nelle frazioni collinari.

Una mostra di grande fascino e prestigio, di enorme significato sociale ed artistico; la partecipazione ad un evento così rilevante e di respiro internazionale, è una gemma del percorso artistico e culturale del Consorzio Ceramisti Cavesi, del design e della capacità manifatturiera italiana.